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Companhia Nacional de Bailado Portugal

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Companhia Nacional de Bailado Portugal

Date(s)

QUINZE BAILARINOS E TEMPO INCERTO
DIRECTION, SET & COSTUME DESIGN JOÃO PENALVA
CHOREOGRAPHY RUI LOPES GRAÇA
WITH 15 DANCERS En collaboration avec le MUDAM [EN]
Companhia Nacional de Bailado (CNB), the National Ballet Company of Portugal, was established in Lisbon in 1977 and is the only company with a permanent group of artists that currently ensure regular seasons at the Teatro Camões as well as touring the country and abroad. In collaboration with the Mudam and to mark the closing of its comprehensive exhibition, the Grand Théâtre presents the company’s collaboration with renowned Portuguese artist João Penalva – Quinze bailarinos e tempo incerto (Fifteen dancers and changeable time) – for which he designed the set and costumes. Drawing on his experience as a dancer and visual artist, Penalva is comfortable moving freely from one medium to another, and by using diverse materials, creates artworks that combine language and image, and develops poetic fictions that leave much room for interpretation.

As the title suggests, choreographer Rui Lopes Graça created this for fifteen dancers from the company in a piece that seeks to stimulate the individual relationship of each spectator with the presence of dancers on stage, who are temporarily bound to a specific set, sound and lighting. It is the soundscape conceived by David Cunningham that induces the spectator to tread down multiple individual paths that are not always recognisable, and are at times mysterious, threatening or exhilarating.

[FR] Danseur, chorégraphe et directeur artistique portugais reconnu internationalement, João Penalva se distingue également comme performeur et plasticien avec ses interventions dans toutes sortes de lieux artistiques – il est d’ailleurs actuellement au Mudam avec une exposition dont la fin coïncidera avec la présentation au Grand Théâtre, en ouverture de saison, de Quinze bailarinos e tempo incerto (Quinze danseurs et temps incertain).

Dans cette production où João Penalva signe la direction artistique, la scénographie et les costumes, le chorégraphe Rui Lopes Graça vise à intensifier la relation individuelle entre chaque spectateur et quinze danseurs, dont la performance, c’est sa particularité, ne développe aucun récit.

Le paysage sonore conçu par David Cunningham entraîne les spectateurs dans plusieurs cheminements individuels, lointains et proches, pas toujours reconnaissables, parfois mystérieux, menaçants ou exaltants. Grâce à cette succession d’images façonnées par le son, les spectateurs projettent leur propre récit sur cette chorégraphie, se confrontant ainsi aux limites de leur imagination, expérimentant la liberté non conventionnelle de choisir eux-mêmes des parcours uniques inspirés par leurs expériences individuelles, leurs souvenirs et leur personnalité.
[DE]
Im Konzept der von João Penalva künstlerisch geleiteten Produktion Quinze bailarinos e tempo incerto (Choreographie: Rui Lopes Graça) spielt jeder einzelne Zuschauer eine entscheidende Rolle: Es ist an ihm, den von dramatischen Strukturen losgelösten Bewegungen der Tänzer und den von der Soundkulisse hervorgerufenen Bildern sein eigenes, von individuellen Erfahrungen und Erinnerungen geprägtes Narrativ zu verleihen.

Die Aufführung findet in Zusammenarbeit mit dem Mudam statt, das João Penalva eine Ausstellung widmet (3. März bis 16. September 2018). Bevor er sich der bildenden Kunst widmete, arbeitete João Penalva, geboren 1949 in Lissabon, als professioneller Tänzer mit Pina Bausch, Gerhard Bohner und Jean Pomares. Von 1976 bis 1981 studierte er Fine Arts an der Chelsea School of Art. Penalva lebt und arbeitet in London.

[DIS]
Direction, Set & Costume Design João Penalva
Choreography Rui Lopes Graça
Sound David Cunningham
In collaboration with Zhuomin Chan & Michael Scot
Lighting design Nuno Meira Dancers Companhia Nacional de Bailado Production Companhia Nacional de Bailado Samedi 15  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE 1h00 (pas d'entracte)Adultes 25 €, 20 €, 15 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle
[TICKETS]2018-09-15 20:00:00 25371

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Lieu

Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg
1 Rond-point Schuman
2525 LUXEMBOURG
Luxembourg

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The Beggar's Opera

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The Beggar's Opera

Date(s)

BALLAD OPERA BY JOHN GAY & JOHANN CHRISTOPH PEPUSCH
IN A NEW VERSION BY IAN BURTON & ROBERT CARSEN
In English, with French surtitles [EN]
Following last season’s production of Die Dreigroschenoper ( The Threepenny Opera ) by Bertolt Brecht and Kurt Weill by Deutsches Theater Berlin, audiences now get the chance to discover the work the play is based on. Written in 1728 by John Gay and Johann Christoph Pepusch and widely regarded as the first musical, The Beggar’s Opera is in fact more than an opera strictly speaking, it is a “balladopera”: a satirical tale set amongst London’s thieves, pimps and prostitutes intersected with popular songs and learned airs, which certain people attributed to Purcell or Händel, compiled by the composer of the overture Pepusch. Although quoted in all the music history books as the most characteristic example, together with Dido and Aneas of what the English contributed to the realm of opera, The Beggar’s Opera is rarely mounted.
For this new production – reworked by Ian Burton and prolific stage director Robert Carsen – the musical direction is by acclaimed American maestro, harpsichordist and conductor William Christie, who has delighted Luxembourg audiences before with his interpretation of works such as Cavalli’s La Didone or Molière and Lully’s Monsieur de Pourceaugnac . This performance will be an opportunity to rediscover the savoury satire of John Gay’s libretto – exploring a cynical world where capitalist greed, crime and social inequality are the norm – at the same time as the talents of a sparkling cast and the brilliant musicians of Les Arts Florissants. They have harmonised the score themselves and as arrangers and improvisors, they will bring the score to life every night afresh, adding their own style to the melodies in the same way a Jazz musician would do.
[FR]
Écrit par John Gay en 1728, The Beggar’s Opera est une œuvre très originale: développant une histoire à partir de chansons populaires et d’airs très connus à l’époque, elle est généralement considérée comme la première comédie musicale, avec près de trois cents ans d’avance sur cette mode. C’est un conte férocement satirique, dont l’action se passe dans les bas-fonds de Londres, et qui explore un monde cynique où cupidité capitaliste, crime, injustice sociale et corruption sont la norme.
L’œuvre a toujours connu le succès, donnant même lieu à de nombreuses adaptations théâtrales, musicales et cinématographiques.
Robert Carsen mettra en scène ce Beggar’s Opera qui le fascine, espérant faire revivre son atmosphère de transgression et son inépuisable énergie. Dirigés par William Christie, les musiciens des Arts Florissants apparaîtront sous un jour un peu différent, exécutant leur partition comme des musiciens de jazz apportant leur propre style aux standards qu’ils interprètent.
[DE]
Die Dreigroschenoper ist eines der populärsten Stücke auf deutschen Bühnen. Als Textvorlage diente Bertolt Brecht die genau 200 Jahre vorher entstandene The Beggar’s Opera , die ab 1728 mit großem Erfolg in London uraufgeführt wurde. Der Text stammt von John Cay, die Musik hat der gebürtige Berliner Johann Christoph Pepusch aus den Melodien von damals populären Arien und Gesängen arrangiert. Die musikalische Komödie ist sowohl eine Karikatur der Oper im Stile Händels als auch eine Gesellschaftssatire.
Dramaturg Ian Burton und Regisseur Robert Carsen haben eine neue Version erschaffen, die mit Musikern des Ensembles Les Arts Florissants unter der Leitung von William Christie aufgeführt wird.

[DIS]
Stage direction Robert Carsen
Musical conception William Christie  
Set James Brandily
Costumes Petra Reinhardt
Choreography Rebecca Howell
Lighting Robert Carsen & Peter van Praet
Dramaturgy Ian Burton
Associate Director Christophe Gayral
Assistant Director Stéphane Ghislain Roussel
Make-up/Wigs Marie Bureau du Colombier
Sound Léonard Françon
Casting Director David Grindrod CDG
Surtitles Richard Neel
Costumes intern Jana Höreth
Set design intern Ava Rastegar With
Robert Burt - Mr Peachum
Beverley Klein - Mrs. Peachum / Diana Trapes
Kate Batter - Polly Peachum
Benjamin Purkiss - Macheath
Kraig Thornber - Lockit
Olivia Brereton - Lucy Lockit
Lyndsey Gardiner - Jenny Diver
Sean Lopeman - Filch / Manuel
Gavin Wilkinson - Matt
Taite-Elliot Drew - Jack / Gardien de prison
Wayne Fitzsimmons - Robin
Dominic Owen - Harry
Natasha Leaver - Molly
Emily Dunn - Betty
Louise Dalton - Suky
Jocelyn Prah - Dolly
And the musicians of the ensemble Les Arts Florissants
Emmanuel Resche-Caserta (Violin I), Martha Moore (Violin II), Simon Heyerick (Viola), Cyril Poulet (Cello), Douglas Balliett (Doublebass), Sébastien Marq (Flute), Vincent Blanchard (Oboe), Marie-Ange Petit (Percussions), Massimo Moscardo (Lute)
Direction & harpsichord William Christie

Musical research Anna Besson & Sébastien Marq
Music score edition Pascal Duc (Les Arts Florissants) Production C.I.C.T. – Théâtre des Bouffes du Nord
Coproduction Les Arts Florissants with the help of CA-CIB; Angers Nantes Opéra; Opéra de Rennes; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Opéra Royal / Château de Versailles Spectacles; Grand Théâtre de Genève; Théâtre de Caen; Edinburgh International Festival; Festival di Spoleto; Centre Lyrique Clermont-Auvergne; Opéra Royal de Wallonie-Liège; Opéra de Reims / La Comédie de Reims CDN; Teatro Coccia, Novara; Teatro Verdi, Pisa; Attiki Cultural Society / Athènes; Cercle des partenaires des Bouffes du Nord
With the generous support of the KT Wong Fondation
Set construction Angers Nantes Opéra
Premiere 20th April 2018, Théâtre des Bouffes du Nord Jeudi 27  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Vendredi 28  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 29  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE  environ 1h50 (pas d'entracte)
Introduction à l'opéra par Monsieur Jérôme Wigny d es Amis de l'Opéra une demi-heure avant chaque représentation (en français)Adultes 65 €, 40 €, 25 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle réduite

[TICKETS]2018-09-27 20:00:00 25372+2018-09-28 20:00:00 25373+2018-09-29 20:00:00 25374

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BALLAD OPERA BY JOHN GAY & JOHANN CHRISTOPH PEPUSCH
IN A NEW VERSION BY IAN BURTON & ROBERT CARSEN
In English, with French surtitles [EN]
Following last season’s production of Die Dreigroschenoper ( The Threepenny Opera ) by Bertolt Brecht and Kurt Weill by Deutsches Theater Berlin, audiences now get the chance to discover the work the play is based on. Written in 1728 by John Gay and Johann Christoph Pepusch and widely regarded as the first musical, The Beggar’s Opera is in fact more than an opera strictly speaking, it is a “balladopera”: a satirical tale set amongst London’s thieves, pimps and prostitutes intersected with popular songs and learned airs, which certain people attributed to Purcell or Händel, compiled by the composer of the overture Pepusch. Although quoted in all the music history books as the most characteristic example, together with Dido and Aneas of what the English contributed to the realm of opera, The Beggar’s Opera is rarely mounted.
For this new production – reworked by Ian Burton and prolific stage director Robert Carsen – the musical direction is by acclaimed American maestro, harpsichordist and conductor William Christie, who has delighted Luxembourg audiences before with his interpretation of works such as Cavalli’s La Didone or Molière and Lully’s Monsieur de Pourceaugnac . This performance will be an opportunity to rediscover the savoury satire of John Gay’s libretto – exploring a cynical world where capitalist greed, crime and social inequality are the norm – at the same time as the talents of a sparkling cast and the brilliant musicians of Les Arts Florissants. They have harmonised the score themselves and as arrangers and improvisors, they will bring the score to life every night afresh, adding their own style to the melodies in the same way a Jazz musician would do.
[FR]
Écrit par John Gay en 1728, The Beggar’s Opera est une œuvre très originale: développant une histoire à partir de chansons populaires et d’airs très connus à l’époque, elle est généralement considérée comme la première comédie musicale, avec près de trois cents ans d’avance sur cette mode. C’est un conte férocement satirique, dont l’action se passe dans les bas-fonds de Londres, et qui explore un monde cynique où cupidité capitaliste, crime, injustice sociale et corruption sont la norme.
L’œuvre a toujours connu le succès, donnant même lieu à de nombreuses adaptations théâtrales, musicales et cinématographiques.
Robert Carsen mettra en scène ce Beggar’s Opera qui le fascine, espérant faire revivre son atmosphère de transgression et son inépuisable énergie. Dirigés par William Christie, les musiciens des Arts Florissants apparaîtront sous un jour un peu différent, exécutant leur partition comme des musiciens de jazz apportant leur propre style aux standards qu’ils interprètent.
[DE]
Die Dreigroschenoper ist eines der populärsten Stücke auf deutschen Bühnen. Als Textvorlage diente Bertolt Brecht die genau 200 Jahre vorher entstandene The Beggar’s Opera , die ab 1728 mit großem Erfolg in London uraufgeführt wurde. Der Text stammt von John Cay, die Musik hat der gebürtige Berliner Johann Christoph Pepusch aus den Melodien von damals populären Arien und Gesängen arrangiert. Die musikalische Komödie ist sowohl eine Karikatur der Oper im Stile Händels als auch eine Gesellschaftssatire.
Dramaturg Ian Burton und Regisseur Robert Carsen haben eine neue Version erschaffen, die mit Musikern des Ensembles Les Arts Florissants unter der Leitung von William Christie aufgeführt wird.

[DIS]
Stage direction Robert Carsen
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Emmanuel Resche-Caserta (Violin I), Martha Moore (Violin II), Simon Heyerick (Viola), Cyril Poulet (Cello), Douglas Balliett (Doublebass), Sébastien Marq (Flute), Vincent Blanchard (Oboe), Marie-Ange Petit (Percussions), Massimo Moscardo (Lute)
Direction & harpsichord William Christie

Musical research Anna Besson & Sébastien Marq
Music score edition Pascal Duc (Les Arts Florissants) Production C.I.C.T. – Théâtre des Bouffes du Nord
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Premiere 20th April 2018, Théâtre des Bouffes du Nord Jeudi 27  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Vendredi 28  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 29  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
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Introduction à l'opéra par Monsieur Jérôme Wigny d es Amis de l'Opéra une demi-heure avant chaque représentation (en français)Adultes 65 €, 40 €, 25 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle réduite

[TICKETS]2018-09-27 20:00:00 25372+2018-09-28 20:00:00 25373+2018-09-29 20:00:00 25374

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Following last season’s production of Die Dreigroschenoper ( The Threepenny Opera ) by Bertolt Brecht and Kurt Weill by Deutsches Theater Berlin, audiences now get the chance to discover the work the play is based on. Written in 1728 by John Gay and Johann Christoph Pepusch and widely regarded as the first musical, The Beggar’s Opera is in fact more than an opera strictly speaking, it is a “balladopera”: a satirical tale set amongst London’s thieves, pimps and prostitutes intersected with popular songs and learned airs, which certain people attributed to Purcell or Händel, compiled by the composer of the overture Pepusch. Although quoted in all the music history books as the most characteristic example, together with Dido and Aneas of what the English contributed to the realm of opera, The Beggar’s Opera is rarely mounted.
For this new production – reworked by Ian Burton and prolific stage director Robert Carsen – the musical direction is by acclaimed American maestro, harpsichordist and conductor William Christie, who has delighted Luxembourg audiences before with his interpretation of works such as Cavalli’s La Didone or Molière and Lully’s Monsieur de Pourceaugnac . This performance will be an opportunity to rediscover the savoury satire of John Gay’s libretto – exploring a cynical world where capitalist greed, crime and social inequality are the norm – at the same time as the talents of a sparkling cast and the brilliant musicians of Les Arts Florissants. They have harmonised the score themselves and as arrangers and improvisors, they will bring the score to life every night afresh, adding their own style to the melodies in the same way a Jazz musician would do.
[FR]
Écrit par John Gay en 1728, The Beggar’s Opera est une œuvre très originale: développant une histoire à partir de chansons populaires et d’airs très connus à l’époque, elle est généralement considérée comme la première comédie musicale, avec près de trois cents ans d’avance sur cette mode. C’est un conte férocement satirique, dont l’action se passe dans les bas-fonds de Londres, et qui explore un monde cynique où cupidité capitaliste, crime, injustice sociale et corruption sont la norme.
L’œuvre a toujours connu le succès, donnant même lieu à de nombreuses adaptations théâtrales, musicales et cinématographiques.
Robert Carsen mettra en scène ce Beggar’s Opera qui le fascine, espérant faire revivre son atmosphère de transgression et son inépuisable énergie. Dirigés par William Christie, les musiciens des Arts Florissants apparaîtront sous un jour un peu différent, exécutant leur partition comme des musiciens de jazz apportant leur propre style aux standards qu’ils interprètent.
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Die Dreigroschenoper ist eines der populärsten Stücke auf deutschen Bühnen. Als Textvorlage diente Bertolt Brecht die genau 200 Jahre vorher entstandene The Beggar’s Opera , die ab 1728 mit großem Erfolg in London uraufgeführt wurde. Der Text stammt von John Cay, die Musik hat der gebürtige Berliner Johann Christoph Pepusch aus den Melodien von damals populären Arien und Gesängen arrangiert. Die musikalische Komödie ist sowohl eine Karikatur der Oper im Stile Händels als auch eine Gesellschaftssatire.
Dramaturg Ian Burton und Regisseur Robert Carsen haben eine neue Version erschaffen, die mit Musikern des Ensembles Les Arts Florissants unter der Leitung von William Christie aufgeführt wird.

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Stage direction Robert Carsen
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Set James Brandily
Costumes Petra Reinhardt
Choreography Rebecca Howell
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Premiere 20th April 2018, Théâtre des Bouffes du Nord Jeudi 27  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
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Samedi 29  SEPTEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE  environ 1h50 (pas d'entracte)
Introduction à l'opéra par Monsieur Jérôme Wigny d es Amis de l'Opéra une demi-heure avant chaque représentation (en français)Adultes 65 €, 40 €, 25 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle réduite

[TICKETS]2018-09-27 20:00:00 25372+2018-09-28 20:00:00 25373+2018-09-29 20:00:00 25374

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Porson's Khashoggi / Andrea Rama

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A LINE SUPREME
AVEC 4 INTERPRÈTES
Création [EN]
As an artist who constantly seeks new challenges and opportunities, Andrea Rama participated in the TalentLAB#17 in Luxembourg where he was mentored by celebrated French choreographer José Montalvo. The result of this lab, his duo 3,14 ? has since been successfully shown nationally and internationally and has given him a well-deserved breakthrough. A graduate of the National School of Dance in Athens, Andrea currently works and lives in between Luxembourg and Berlin. He intensely explores the dimension of time as a fundamental element of movement. In A Line Supreme , Andrea experiments with familiar linear movements taken from everyday life and therefore instantly recognisable for an audience. He intends to explore how feelings and senses are affected as, through movement, lines are lengthened in one area and at the same time reduced somewhere else.

[FR] Sélectionné pour le TalentLAB#17, Andrea Rama y a développé, sous le parrainage du célèbre chorégraphe José Montalvo, son duo 3,14 ? , qui depuis a connu un réel succès. Le revoilà avec une nouvelle proposition.

A Line Supreme est une mise en perspective chorégraphiée de nos rapports à la linéarité. Nous sommes marqués, influencés par cette relation entre les lieux, que nous la subissions ou que nous la suscitions. Elle est à la fois objective, réalité mesurable, et subjective, impression ressentie. Clôturée par une frontière ou ouverte sur des horizons nouveaux, des libertés inattendues. Rythmée et lestée par la façon dont nous la parcourons. Les sports, et tous les déplacements qu’ils supposent, sont une excellente métaphore de notre rapport à cette linéarité et à ses implications.

[DE] In seinem Stück A Line Supreme setzt sich Andrea Rama mit linearen Bewegungen auseinander. Die Produktion räumt Musik und Bewegung den gleichen Stellenwert ein. Komponist Iván Solano und Choreograph Andrea Rama erschaffen ein Konzert der Körper und Objekte, in dem Bewegung und Musik auf der Bühne in einem kontinuierlichen Austausch mit endlosen Interpretationsmöglichkeiten stehen.

Der in Luxemburg und Berlin lebende Tänzer und Choreograph hat in Athen zeitgenössischen Tanz studiert und zusammen mit Xeni Alexandrou die Kompanie Porson’s Khashoggi gegründet. Seit sechs Jahren entwickelt Rama das Konzept „Opening Possibilities“, das er auch an Tanzkompanien und Regisseuren vermittelt. Als Tänzer arbeitete er unter anderem mit Sasha Waltz & Guests, Anton Lachky, Fang-Yu Shen und MS Schrittmacher. Andrea Rama nahm am TalentLAB#17 teil und kreierte, unterstützt von seinem Mentor José Montalvo, das Stück 3,14 ? .

[DIS]
Concept & Choreography Andrea Rama
Dramaturgy Xeni Alexandrou
Composer & musician Yorgos Laliotis (soutenu par la Fondation Indépendance)
Costume Design Charlotte Paréja
Lighting Design Maria DermitzakiPerformers Natali Mandila, Rhiannon Morgan, Baptiste Hilbert, Andrea Rama Production Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
Coproduction Maison des Arts de Créteil et du Val-de-Marne, Annonay Rhône – Agglo en Scènes
With the support of FOCUNA – Fonds Culturel National; TROIS C-L – Centre de création chorégraphique luxembourgeois; Andrzej Mežerycki Centre for Culture Theatre Stage Siedlce, Garage Performing Arts Center Corfu; Megaron - The Athens Concert Hall Diffusion et tournée Attiki Cultural Society
Spectacle accueilli en résidence de création à la Chapelle Sainte-Marie d’Annonay / Compagnie La Baraka – Abou Lagraa Jeudi 4  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Vendredi 5  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)

DURÉE environ 1h00 (pas d'entracte)Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Studio
[TICKETS]2018-10-04 20:00:00 25375+2018-10-05 20:00:00 25376

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AVEC 4 INTERPRÈTES
Création [EN]
As an artist who constantly seeks new challenges and opportunities, Andrea Rama participated in the TalentLAB#17 in Luxembourg where he was mentored by celebrated French choreographer José Montalvo. The result of this lab, his duo 3,14 ? has since been successfully shown nationally and internationally and has given him a well-deserved breakthrough. A graduate of the National School of Dance in Athens, Andrea currently works and lives in between Luxembourg and Berlin. He intensely explores the dimension of time as a fundamental element of movement. In A Line Supreme , Andrea experiments with familiar linear movements taken from everyday life and therefore instantly recognisable for an audience. He intends to explore how feelings and senses are affected as, through movement, lines are lengthened in one area and at the same time reduced somewhere else.

[FR] Sélectionné pour le TalentLAB#17, Andrea Rama y a développé, sous le parrainage du célèbre chorégraphe José Montalvo, son duo 3,14 ? , qui depuis a connu un réel succès. Le revoilà avec une nouvelle proposition.

A Line Supreme est une mise en perspective chorégraphiée de nos rapports à la linéarité. Nous sommes marqués, influencés par cette relation entre les lieux, que nous la subissions ou que nous la suscitions. Elle est à la fois objective, réalité mesurable, et subjective, impression ressentie. Clôturée par une frontière ou ouverte sur des horizons nouveaux, des libertés inattendues. Rythmée et lestée par la façon dont nous la parcourons. Les sports, et tous les déplacements qu’ils supposent, sont une excellente métaphore de notre rapport à cette linéarité et à ses implications.

[DE] In seinem Stück A Line Supreme setzt sich Andrea Rama mit linearen Bewegungen auseinander. Die Produktion räumt Musik und Bewegung den gleichen Stellenwert ein. Komponist Iván Solano und Choreograph Andrea Rama erschaffen ein Konzert der Körper und Objekte, in dem Bewegung und Musik auf der Bühne in einem kontinuierlichen Austausch mit endlosen Interpretationsmöglichkeiten stehen.

Der in Luxemburg und Berlin lebende Tänzer und Choreograph hat in Athen zeitgenössischen Tanz studiert und zusammen mit Xeni Alexandrou die Kompanie Porson’s Khashoggi gegründet. Seit sechs Jahren entwickelt Rama das Konzept „Opening Possibilities“, das er auch an Tanzkompanien und Regisseuren vermittelt. Als Tänzer arbeitete er unter anderem mit Sasha Waltz & Guests, Anton Lachky, Fang-Yu Shen und MS Schrittmacher. Andrea Rama nahm am TalentLAB#17 teil und kreierte, unterstützt von seinem Mentor José Montalvo, das Stück 3,14 ? .

[DIS]
Concept & Choreography Andrea Rama
Dramaturgy Xeni Alexandrou
Composer & musician Yorgos Laliotis (soutenu par la Fondation Indépendance)
Costume Design Charlotte Paréja
Lighting Design Maria DermitzakiPerformers Natali Mandila, Rhiannon Morgan, Baptiste Hilbert, Andrea Rama Production Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
Coproduction Maison des Arts de Créteil et du Val-de-Marne, Annonay Rhône – Agglo en Scènes
With the support of FOCUNA – Fonds Culturel National; TROIS C-L – Centre de création chorégraphique luxembourgeois; Andrzej Mežerycki Centre for Culture Theatre Stage Siedlce, Garage Performing Arts Center Corfu; Megaron - The Athens Concert Hall Diffusion et tournée Attiki Cultural Society
Spectacle accueilli en résidence de création à la Chapelle Sainte-Marie d’Annonay / Compagnie La Baraka – Abou Lagraa Jeudi 4  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Vendredi 5  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)

DURÉE environ 1h00 (pas d'entracte)Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Studio
[TICKETS]2018-10-04 20:00:00 25375+2018-10-05 20:00:00 25376

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Lieu

Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg
1 Rond-point Schuman
2525 LUXEMBOURG
Luxembourg

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Déi bescht Manéier, aus der Landschaft ze verschwannen

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Déi bescht Manéier, aus der Landschaft ze verschwannen

Date(s)

GUY REWENIG
Kreatioun [LB]
D’Félicie an den Heng, eng eeler Koppel vum Lampertsbierg, fueren an e Schwäizer Kurhotel. Wat si do maachen a firwat et si an d’Schwäiz verschléit, ass laang Zäit net kloer. Si behuele sech ewéi zwee Gedriwwener, déi et doheem net aushalen an dobaussen an der Friemt net glécklech ginn. Jiddefalls gerode si an der Schwäiz op eng Zort Geeschterbunn: Alles, wat si erliewen, gëtt ëmmer méi koppeg a bosseg, d’Gläichgewiicht tëscht dem Félicie an dem Heng ass empfindlech gestéiert, a wa si op eemol am Kurhotel aner Lëtzebuerger begéinen, déi hinne komplett géint de Stréch ginn, eskaléiert déi ganz Situatioun. Mee wat stécht hannert där kuriéiser Schwäizer Eskapad? Den déiwe Grond kënnt nëmme stéckweis eraus, iwwert Undeitungen a Gefillsausbréch, an et däerf een unhuelen, datt déi richteg, schrecklech Geeschterbunn doheem um Lampertsbierg steet.

De Guy Rewenig huet säi Stéck ugeluecht als Geschicht iwwert d’Léift vun zwee Leit, déi net méi vill mateneen ufänke kënnen an awer op eng batter Manéier vuneneen ofhängeg sinn. Si péngege sech, maache sech Virwërf, streide vu mueres bis owes, fir dann nees momentweis friddlech a verstänneg mateneen ëmzegoen. Si sti sech selwer am Wee, kënnen net iwwert hire Schiet sprangen, an awer kënnt kee vun deem anere lass. Den Text – eng Suite vu rapiden, intensiven Dialoger – wiesselt stänneg tëscht Tragik a Komik an iwwert allen Episoden a Statioune steet d’Fro: Wéi laang kann dat do nach gutt goen? Wéini kënnt déi grouss Katastroph?

De Charles Muller inszenéiert e Stéck an deem näischt esou ass wéi et schéngt, an deem et ëm eng grouss Liewensligen, ëm Verdrängung an sech an d’Täsch léie geet, mam Christiane Rausch an der Roll vum Félicie an dem Jean-Paul Maes an der Roll vum Heng. Weiderhin fueren d’Brigitte Urhausen, de Pitt Simon an den Nilton Martins mat op där Geeschterbunn, déi awer mat enger gesonder Portioun groteskem Humor ënnerwee wäert sinn an dës Saison och zu Miersch, Maarnech an Iechternach Statioun wäert maachen.

[DIS]
Mam
Heng  Jean-Paul Maes
Zëmmerservice Nilton Martins
Félicie Christiane Rausch
Ricky Pitt Simon
Bella Brigitte Urhausen
Museker Luc Hemmer
Zëmmerservice Manuela Giaccometti, Lorent Hajredini, Marko Mladjenovic, Paul Nossem, Annick Schadeck
Regie  Charles Muller
Dramaturgie Andreas Wagner
Bühn & Kostümer Anouk Schiltz
Luuchtendesign Philippe Lacombe
Regieassistenz Daliah Kentges
Kompositioun Luc Hemmer / Joël Mangen
Beweegungstraining  Annick Schadeck
Mask Joël Seiller
Garderobe Manuela Giaccometti
Mask Joël Seiller
Requisite Marko Mladjenovic
Produktioun Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
Koproduktioun Cube 521 Marnach, Trifolion Echternach

Déi bescht Manéier, aus der Landschaft ze verschwannen ass ee vun den Texter aus dem Buch mam selwechten Titel, dat 2015 am Verlag Guy Binsfeld erauskoum.

Samedi 6  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Mardi 9  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Jeudi 11  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 13  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE environ 1h15 (pas d'entracte)
Aféirung zum Stéck vum Här Marc Rettel 1/2 Stonn virun de Virstellungen (LB)
Adultes 20 €, 15 €, 8 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Théâtre des Capucins
[TICKETS]2018-10-06 20:00:00 25377+2018-10-09 20:00:00 25379+2018-10-11 20:00:00 25380+2018-10-13 20:00:00 25378

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GUY REWENIG
Kreatioun [LB]
D’Félicie an den Heng, eng eeler Koppel vum Lampertsbierg, fueren an e Schwäizer Kurhotel. Wat si do maachen a firwat et si an d’Schwäiz verschléit, ass laang Zäit net kloer. Si behuele sech ewéi zwee Gedriwwener, déi et doheem net aushalen an dobaussen an der Friemt net glécklech ginn. Jiddefalls gerode si an der Schwäiz op eng Zort Geeschterbunn: Alles, wat si erliewen, gëtt ëmmer méi koppeg a bosseg, d’Gläichgewiicht tëscht dem Félicie an dem Heng ass empfindlech gestéiert, a wa si op eemol am Kurhotel aner Lëtzebuerger begéinen, déi hinne komplett géint de Stréch ginn, eskaléiert déi ganz Situatioun. Mee wat stécht hannert där kuriéiser Schwäizer Eskapad? Den déiwe Grond kënnt nëmme stéckweis eraus, iwwert Undeitungen a Gefillsausbréch, an et däerf een unhuelen, datt déi richteg, schrecklech Geeschterbunn doheem um Lampertsbierg steet.

De Guy Rewenig huet säi Stéck ugeluecht als Geschicht iwwert d’Léift vun zwee Leit, déi net méi vill mateneen ufänke kënnen an awer op eng batter Manéier vuneneen ofhängeg sinn. Si péngege sech, maache sech Virwërf, streide vu mueres bis owes, fir dann nees momentweis friddlech a verstänneg mateneen ëmzegoen. Si sti sech selwer am Wee, kënnen net iwwert hire Schiet sprangen, an awer kënnt kee vun deem anere lass. Den Text – eng Suite vu rapiden, intensiven Dialoger – wiesselt stänneg tëscht Tragik a Komik an iwwert allen Episoden a Statioune steet d’Fro: Wéi laang kann dat do nach gutt goen? Wéini kënnt déi grouss Katastroph?

De Charles Muller inszenéiert e Stéck an deem näischt esou ass wéi et schéngt, an deem et ëm eng grouss Liewensligen, ëm Verdrängung an sech an d’Täsch léie geet, mam Christiane Rausch an der Roll vum Félicie an dem Jean-Paul Maes an der Roll vum Heng. Weiderhin fueren d’Brigitte Urhausen, de Pitt Simon an den Nilton Martins mat op där Geeschterbunn, déi awer mat enger gesonder Portioun groteskem Humor ënnerwee wäert sinn an dës Saison och zu Miersch, Maarnech an Iechternach Statioun wäert maachen.

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Mam
Heng  Jean-Paul Maes
Zëmmerservice Nilton Martins
Félicie Christiane Rausch
Ricky Pitt Simon
Bella Brigitte Urhausen
Museker Luc Hemmer
Zëmmerservice Manuela Giaccometti, Lorent Hajredini, Marko Mladjenovic, Paul Nossem, Annick Schadeck
Regie  Charles Muller
Dramaturgie Andreas Wagner
Bühn & Kostümer Anouk Schiltz
Luuchtendesign Philippe Lacombe
Regieassistenz Daliah Kentges
Kompositioun Luc Hemmer / Joël Mangen
Beweegungstraining  Annick Schadeck
Mask Joël Seiller
Garderobe Manuela Giaccometti
Mask Joël Seiller
Requisite Marko Mladjenovic
Produktioun Les Théâtres de la Ville de Luxembourg
Koproduktioun Cube 521 Marnach, Trifolion Echternach

Déi bescht Manéier, aus der Landschaft ze verschwannen ass ee vun den Texter aus dem Buch mam selwechten Titel, dat 2015 am Verlag Guy Binsfeld erauskoum.

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Adultes 20 €, 15 €, 8 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Théâtre des Capucins
[TICKETS]2018-10-06 20:00:00 25377+2018-10-09 20:00:00 25379+2018-10-11 20:00:00 25380+2018-10-13 20:00:00 25378

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D’Félicie an den Heng, eng eeler Koppel vum Lampertsbierg, fueren an e Schwäizer Kurhotel. Wat si do maachen a firwat et si an d’Schwäiz verschléit, ass laang Zäit net kloer. Si behuele sech ewéi zwee Gedriwwener, déi et doheem net aushalen an dobaussen an der Friemt net glécklech ginn. Jiddefalls gerode si an der Schwäiz op eng Zort Geeschterbunn: Alles, wat si erliewen, gëtt ëmmer méi koppeg a bosseg, d’Gläichgewiicht tëscht dem Félicie an dem Heng ass empfindlech gestéiert, a wa si op eemol am Kurhotel aner Lëtzebuerger begéinen, déi hinne komplett géint de Stréch ginn, eskaléiert déi ganz Situatioun. Mee wat stécht hannert där kuriéiser Schwäizer Eskapad? Den déiwe Grond kënnt nëmme stéckweis eraus, iwwert Undeitungen a Gefillsausbréch, an et däerf een unhuelen, datt déi richteg, schrecklech Geeschterbunn doheem um Lampertsbierg steet.

De Guy Rewenig huet säi Stéck ugeluecht als Geschicht iwwert d’Léift vun zwee Leit, déi net méi vill mateneen ufänke kënnen an awer op eng batter Manéier vuneneen ofhängeg sinn. Si péngege sech, maache sech Virwërf, streide vu mueres bis owes, fir dann nees momentweis friddlech a verstänneg mateneen ëmzegoen. Si sti sech selwer am Wee, kënnen net iwwert hire Schiet sprangen, an awer kënnt kee vun deem anere lass. Den Text – eng Suite vu rapiden, intensiven Dialoger – wiesselt stänneg tëscht Tragik a Komik an iwwert allen Episoden a Statioune steet d’Fro: Wéi laang kann dat do nach gutt goen? Wéini kënnt déi grouss Katastroph?

De Charles Muller inszenéiert e Stéck an deem näischt esou ass wéi et schéngt, an deem et ëm eng grouss Liewensligen, ëm Verdrängung an sech an d’Täsch léie geet, mam Christiane Rausch an der Roll vum Félicie an dem Jean-Paul Maes an der Roll vum Heng. Weiderhin fueren d’Brigitte Urhausen, de Pitt Simon an den Nilton Martins mat op där Geeschterbunn, déi awer mat enger gesonder Portioun groteskem Humor ënnerwee wäert sinn an dës Saison och zu Miersch, Maarnech an Iechternach Statioun wäert maachen.

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Mam
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Zëmmerservice Nilton Martins
Félicie Christiane Rausch
Ricky Pitt Simon
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Zëmmerservice Manuela Giaccometti, Lorent Hajredini, Marko Mladjenovic, Paul Nossem, Annick Schadeck
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Déi bescht Manéier, aus der Landschaft ze verschwannen ass ee vun den Texter aus dem Buch mam selwechten Titel, dat 2015 am Verlag Guy Binsfeld erauskoum.

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Adultes 20 €, 15 €, 8 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
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D’Félicie an den Heng, eng eeler Koppel vum Lampertsbierg, fueren an e Schwäizer Kurhotel. Wat si do maachen a firwat et si an d’Schwäiz verschléit, ass laang Zäit net kloer. Si behuele sech ewéi zwee Gedriwwener, déi et doheem net aushalen an dobaussen an der Friemt net glécklech ginn. Jiddefalls gerode si an der Schwäiz op eng Zort Geeschterbunn: Alles, wat si erliewen, gëtt ëmmer méi koppeg a bosseg, d’Gläichgewiicht tëscht dem Félicie an dem Heng ass empfindlech gestéiert, a wa si op eemol am Kurhotel aner Lëtzebuerger begéinen, déi hinne komplett géint de Stréch ginn, eskaléiert déi ganz Situatioun. Mee wat stécht hannert där kuriéiser Schwäizer Eskapad? Den déiwe Grond kënnt nëmme stéckweis eraus, iwwert Undeitungen a Gefillsausbréch, an et däerf een unhuelen, datt déi richteg, schrecklech Geeschterbunn doheem um Lampertsbierg steet.

De Guy Rewenig huet säi Stéck ugeluecht als Geschicht iwwert d’Léift vun zwee Leit, déi net méi vill mateneen ufänke kënnen an awer op eng batter Manéier vuneneen ofhängeg sinn. Si péngege sech, maache sech Virwërf, streide vu mueres bis owes, fir dann nees momentweis friddlech a verstänneg mateneen ëmzegoen. Si sti sech selwer am Wee, kënnen net iwwert hire Schiet sprangen, an awer kënnt kee vun deem anere lass. Den Text – eng Suite vu rapiden, intensiven Dialoger – wiesselt stänneg tëscht Tragik a Komik an iwwert allen Episoden a Statioune steet d’Fro: Wéi laang kann dat do nach gutt goen? Wéini kënnt déi grouss Katastroph?

De Charles Muller inszenéiert e Stéck an deem näischt esou ass wéi et schéngt, an deem et ëm eng grouss Liewensligen, ëm Verdrängung an sech an d’Täsch léie geet, mam Christiane Rausch an der Roll vum Félicie an dem Jean-Paul Maes an der Roll vum Heng. Weiderhin fueren d’Brigitte Urhausen, de Pitt Simon an den Nilton Martins mat op där Geeschterbunn, déi awer mat enger gesonder Portioun groteskem Humor ënnerwee wäert sinn an dës Saison och zu Miersch, Maarnech an Iechternach Statioun wäert maachen.

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Zëmmerservice Nilton Martins
Félicie Christiane Rausch
Ricky Pitt Simon
Bella Brigitte Urhausen
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Zëmmerservice Manuela Giaccometti, Lorent Hajredini, Marko Mladjenovic, Paul Nossem, Annick Schadeck
Regie  Charles Muller
Dramaturgie Andreas Wagner
Bühn & Kostümer Anouk Schiltz
Luuchtendesign Philippe Lacombe
Regieassistenz Daliah Kentges
Kompositioun Luc Hemmer / Joël Mangen
Beweegungstraining  Annick Schadeck
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Garderobe Manuela Giaccometti
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Déi bescht Manéier, aus der Landschaft ze verschwannen ass ee vun den Texter aus dem Buch mam selwechten Titel, dat 2015 am Verlag Guy Binsfeld erauskoum.

Samedi 6  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Mardi 9  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
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Adultes 20 €, 15 €, 8 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
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[TICKETS]2018-10-06 20:00:00 25377+2018-10-09 20:00:00 25379+2018-10-11 20:00:00 25380+2018-10-13 20:00:00 25378

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La Traviata

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La Traviata

Date(s)

GIUSEPPE VERDI (1813-1901)
OPÉRA EN TROIS ACTES SUR UN LIVRET DE FRANCESCO MARIA PIAVE D’APRÈS LE ROMAN D’ALEXANDRE DUMAS FILS,
LA DAME AUX CAMÉLIAS (1848) ET SON ADAPTATION THÉÂTRALE (1852)
CRÉÉ LE 6 MARS 1853 À LA FENICE DE VENISE
En italien, avec surtitres en français & allemand
[FR] La tradition est respectée avec un Verdi à l’affiche, et quel Verdi: La Traviata . Une nouvelle occasion pour les spectateurs de vivre le merveilleux paradoxe: se réjouir au spectacle d’une tragédie! Comme elle est triste l’histoire de Violetta Valéry, «la dévoyée», la mondaine prête à métamorphoser sa vie par amour pour Alfredo Germont, un homme que les bonnes convenances d’une société hypocrite, incarnée par le père Germont, lui interdisent. Elle se sacrifiera. Mais surtout quelle musique pour transfigurer le propos. La Traviata est un catalogue de quelques-uns des plus beaux airs de Verdi, qu’on ne se lasse pas d’entendre encore et encore.
Une deuxième raison de se réjouir de cette production est que sa mise en scène a été confiée à Robert Wilson (également présent à Luxembourg pour la création du Livre de la Jungle ). Le public luxembourgeois pourra à son tour découvrir les images scéniques que ce magicien des lumières, cet homme des déplacements mesurés, des hiératismes révélateurs, a créées. Comment il a réussi à conjuguer les déferlements de la fête tragique avec ses univers si superbement maîtrisés. Un troisième aspect bienvenu de cette Traviata est qu’elle sera dirigée par Teodor Currentzis, un chef qui s’est imposé à la tête de MusicAeterna, son orchestre de l’Opéra de Perm, dont il a fait un ensemble de référence.
[DE]
Rigoletto, La Traviata und Il Trovatore – die Werk-Trilogie, der Giuseppe Verdi seinen Weltruhm verdankt, stellt ganz bewusst Außenseiter der Gesellschaft in den Mittelpunkt der Handlung. In La Traviata ist es die Edel-Kurtisane Violetta Valéry, deren Liebe zu Alfredo Germont zum einen an dem Widerstand von dessen Vater scheitert, zum anderen durch ihren Tod an der Schwindsucht verunmöglicht wird.

In den Genuss von Verdi-Opern kam das Luxemburger Publikum in den vergangenen Jahren schon mehrfach: Otello (2012), La Forza del Destino (2013), Il Trovatore (2016), Simon Boccanegra (2017) und zuletzt Un Ballo in Maschera standen schon auf dem Programm. Nun folgt also La Traviata : Verdis Welterfolg nach dem Roman von Alexandre Dumas setzt mit Robert Wilson ein weltberühmter Regisseur in Szene.

Wilsons La Traviata -Inszenierung feierte 2015 im Landestheater Linz Premiere und reiste dann weiter an die Oper von Perm in Russland, wo sie im Juni 2016 unter der musikalischen Leitung des griechisch-russischen Dirigenten Teodor Currentzis das Diaghilev-Festival eröffnete – und 2017 den renommierten nationalen russischen Theaterpreis „Goldene Maske“ in gleich drei Kategorien erhielt: bester Operndirigent (Teodor Currentzis), beste Opernsängerin (Nadezhda Pavlova als Violetta Valéry) und bester Lichtdesigner (Robert Wilson). Mit Currentzis und seinem preisgekrönten Orchester MusicAeterna kommt die Produktion auch nach Luxemburg.

Robert Wilson steht in dieser Spielzeit noch ein zweites Mal auf der Agenda: Im April 2019 kann das Luxemburger Publikum die Weltpremiere seiner Musiktheater-Produktion von Rudyard Kiplings beliebtem Dschungelbuch erleben. Nach der Tanzchoreographie Two Lips and Dancers and Space (2004) und dem Theaterstück Oh les beaux jours (2008) ist es die dritte Erstaufführung des US-amerikanischen Starregisseurs am Grand Théâtre.

» Die Instrumente verschmelzen mit den wunderbaren Stimmen des russischen Ensembles, und immer wieder dringen, ganz zart, wie aus weiter Ferne, Verdis Banda-Klänge durch. Verzaubert folgt man dieser italienischen Spur durch den Currentzis-Abend in Perm. Frenetischer Jubel, die Zuschauer gehen in die russische Nacht hinaus, als hätten sie die Traviata zum ersten Mal gehört. Tages-Anzeiger zur Aufführung in Perm, Annette Freitag

» Mit seinem hochartifiziellen Kunstraum und seiner detailverliebten Choreographie gelingen Wilson Bilder von großer Suggestivkraft, die ihren eigenen Zauber entfalten und den Zuschauer in ihren Bann ziehen. Die Oper verwandelt sich in jenen Ort, der tauglich ist, „inmitten der entzauberten Welt“ das „magische Element der Kunst zu bewahren” (Theodor W. Adorno). Und dieses artikuliert sich naturgemäß zuallererst in der musikalischen Darbietung. ORF.at zur Premiere in Linz, Armin Sattler
[EN]
When one of the most “calm and collected” stage directors of our time and disciple of experimental theatre Robert Wilson directs one of Verdi’s most emotional masterpieces one can be certain of an intriguing evening. Wilson’s strange, abstract, surreal pictures engender gasps of adulation. Add to this the musical genius of conductor Teodor Currentzis, current artistic director of Perm Opera and Ballet Theatre and his award-winning MusicAeterna Ensemble and you have all the ingredients for a memorable operatic evening. Premiered at the Linz State Theatre in 2015, this production of La Traviata then transferred to Perm, Russia, where it was awarded the prestigious Golden Mask Award.

Wilson returns to the Grand Théâtre next April for the world premiere of his adaptation of Rudyard Kipling’s much loved classic The Jungle Book.

[DIS]
Direction musicale Teodor Currentzis
Mise en scène, scénographie & lumière Robert Wilson
Direction du chœur Vitaly Polonsky
Costumes Yashi
Metteur en scène associé Nicola Panzer
Scénographe associé Stephanie Engeln
Créateur lumière associé John Torres
Dramaturge Konrad Kuhn Violetta Valéry Nadezhda Pavlova
Alfredo Germont Airam Hernandez
Giorgio Germont Dimitris Tiliakos
Flora Bervoix Natalia Buklaga
Annina Elena Yurchenko
Gastone Nikolay Fyodorov
Barone Douphol Viktor Shapovalov
Marchese d’Obigny Alexey Svetov
Dottore Grenvil Vladimir Taisaev Chœur & orchestre MusicAeterna Coproduction Unlimited Performing Arts; Landestheater Linz; Perm Opera and Ballet Theatre; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Première de cette production le 19 septembre 2015 au Landestheater, Linz Vendredi 12  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Dimanche 14 OCTOBRE 2018 à 17h00 (tickets)
Mardi 16  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
  DURÉE  2h20 & 2 entractes
Introduction à l'opéra par  Monsieur Frédéric Habets des Amis de l'Opéra une demi-heure avant chaque représentation (en français)Adultes 65 €, 40 €, 25 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle

[TICKETS]2018-10-12 20:00:00 25381+2018-10-14 20:00:00 25382+2018-10-16 17:00:00 25383

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2525 LUXEMBOURG
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GIUSEPPE VERDI (1813-1901)
OPÉRA EN TROIS ACTES SUR UN LIVRET DE FRANCESCO MARIA PIAVE D’APRÈS LE ROMAN D’ALEXANDRE DUMAS FILS,
LA DAME AUX CAMÉLIAS (1848) ET SON ADAPTATION THÉÂTRALE (1852)
CRÉÉ LE 6 MARS 1853 À LA FENICE DE VENISE
En italien, avec surtitres en français & allemand
[FR] La tradition est respectée avec un Verdi à l’affiche, et quel Verdi: La Traviata . Une nouvelle occasion pour les spectateurs de vivre le merveilleux paradoxe: se réjouir au spectacle d’une tragédie! Comme elle est triste l’histoire de Violetta Valéry, «la dévoyée», la mondaine prête à métamorphoser sa vie par amour pour Alfredo Germont, un homme que les bonnes convenances d’une société hypocrite, incarnée par le père Germont, lui interdisent. Elle se sacrifiera. Mais surtout quelle musique pour transfigurer le propos. La Traviata est un catalogue de quelques-uns des plus beaux airs de Verdi, qu’on ne se lasse pas d’entendre encore et encore.
Une deuxième raison de se réjouir de cette production est que sa mise en scène a été confiée à Robert Wilson (également présent à Luxembourg pour la création du Livre de la Jungle ). Le public luxembourgeois pourra à son tour découvrir les images scéniques que ce magicien des lumières, cet homme des déplacements mesurés, des hiératismes révélateurs, a créées. Comment il a réussi à conjuguer les déferlements de la fête tragique avec ses univers si superbement maîtrisés. Un troisième aspect bienvenu de cette Traviata est qu’elle sera dirigée par Teodor Currentzis, un chef qui s’est imposé à la tête de MusicAeterna, son orchestre de l’Opéra de Perm, dont il a fait un ensemble de référence.
[DE]
Rigoletto, La Traviata und Il Trovatore – die Werk-Trilogie, der Giuseppe Verdi seinen Weltruhm verdankt, stellt ganz bewusst Außenseiter der Gesellschaft in den Mittelpunkt der Handlung. In La Traviata ist es die Edel-Kurtisane Violetta Valéry, deren Liebe zu Alfredo Germont zum einen an dem Widerstand von dessen Vater scheitert, zum anderen durch ihren Tod an der Schwindsucht verunmöglicht wird.

In den Genuss von Verdi-Opern kam das Luxemburger Publikum in den vergangenen Jahren schon mehrfach: Otello (2012), La Forza del Destino (2013), Il Trovatore (2016), Simon Boccanegra (2017) und zuletzt Un Ballo in Maschera standen schon auf dem Programm. Nun folgt also La Traviata : Verdis Welterfolg nach dem Roman von Alexandre Dumas setzt mit Robert Wilson ein weltberühmter Regisseur in Szene.

Wilsons La Traviata -Inszenierung feierte 2015 im Landestheater Linz Premiere und reiste dann weiter an die Oper von Perm in Russland, wo sie im Juni 2016 unter der musikalischen Leitung des griechisch-russischen Dirigenten Teodor Currentzis das Diaghilev-Festival eröffnete – und 2017 den renommierten nationalen russischen Theaterpreis „Goldene Maske“ in gleich drei Kategorien erhielt: bester Operndirigent (Teodor Currentzis), beste Opernsängerin (Nadezhda Pavlova als Violetta Valéry) und bester Lichtdesigner (Robert Wilson). Mit Currentzis und seinem preisgekrönten Orchester MusicAeterna kommt die Produktion auch nach Luxemburg.

Robert Wilson steht in dieser Spielzeit noch ein zweites Mal auf der Agenda: Im April 2019 kann das Luxemburger Publikum die Weltpremiere seiner Musiktheater-Produktion von Rudyard Kiplings beliebtem Dschungelbuch erleben. Nach der Tanzchoreographie Two Lips and Dancers and Space (2004) und dem Theaterstück Oh les beaux jours (2008) ist es die dritte Erstaufführung des US-amerikanischen Starregisseurs am Grand Théâtre.

» Die Instrumente verschmelzen mit den wunderbaren Stimmen des russischen Ensembles, und immer wieder dringen, ganz zart, wie aus weiter Ferne, Verdis Banda-Klänge durch. Verzaubert folgt man dieser italienischen Spur durch den Currentzis-Abend in Perm. Frenetischer Jubel, die Zuschauer gehen in die russische Nacht hinaus, als hätten sie die Traviata zum ersten Mal gehört. Tages-Anzeiger zur Aufführung in Perm, Annette Freitag

» Mit seinem hochartifiziellen Kunstraum und seiner detailverliebten Choreographie gelingen Wilson Bilder von großer Suggestivkraft, die ihren eigenen Zauber entfalten und den Zuschauer in ihren Bann ziehen. Die Oper verwandelt sich in jenen Ort, der tauglich ist, „inmitten der entzauberten Welt“ das „magische Element der Kunst zu bewahren” (Theodor W. Adorno). Und dieses artikuliert sich naturgemäß zuallererst in der musikalischen Darbietung. ORF.at zur Premiere in Linz, Armin Sattler
[EN]
When one of the most “calm and collected” stage directors of our time and disciple of experimental theatre Robert Wilson directs one of Verdi’s most emotional masterpieces one can be certain of an intriguing evening. Wilson’s strange, abstract, surreal pictures engender gasps of adulation. Add to this the musical genius of conductor Teodor Currentzis, current artistic director of Perm Opera and Ballet Theatre and his award-winning MusicAeterna Ensemble and you have all the ingredients for a memorable operatic evening. Premiered at the Linz State Theatre in 2015, this production of La Traviata then transferred to Perm, Russia, where it was awarded the prestigious Golden Mask Award.

Wilson returns to the Grand Théâtre next April for the world premiere of his adaptation of Rudyard Kipling’s much loved classic The Jungle Book.

[DIS]
Direction musicale Teodor Currentzis
Mise en scène, scénographie & lumière Robert Wilson
Direction du chœur Vitaly Polonsky
Costumes Yashi
Metteur en scène associé Nicola Panzer
Scénographe associé Stephanie Engeln
Créateur lumière associé John Torres
Dramaturge Konrad Kuhn Violetta Valéry Nadezhda Pavlova
Alfredo Germont Airam Hernandez
Giorgio Germont Dimitris Tiliakos
Flora Bervoix Natalia Buklaga
Annina Elena Yurchenko
Gastone Nikolay Fyodorov
Barone Douphol Viktor Shapovalov
Marchese d’Obigny Alexey Svetov
Dottore Grenvil Vladimir Taisaev Chœur & orchestre MusicAeterna Coproduction Unlimited Performing Arts; Landestheater Linz; Perm Opera and Ballet Theatre; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Première de cette production le 19 septembre 2015 au Landestheater, Linz Vendredi 12  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Dimanche 14 OCTOBRE 2018 à 17h00 (tickets)
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GIUSEPPE VERDI (1813-1901)
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CRÉÉ LE 6 MARS 1853 À LA FENICE DE VENISE
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[FR] La tradition est respectée avec un Verdi à l’affiche, et quel Verdi: La Traviata . Une nouvelle occasion pour les spectateurs de vivre le merveilleux paradoxe: se réjouir au spectacle d’une tragédie! Comme elle est triste l’histoire de Violetta Valéry, «la dévoyée», la mondaine prête à métamorphoser sa vie par amour pour Alfredo Germont, un homme que les bonnes convenances d’une société hypocrite, incarnée par le père Germont, lui interdisent. Elle se sacrifiera. Mais surtout quelle musique pour transfigurer le propos. La Traviata est un catalogue de quelques-uns des plus beaux airs de Verdi, qu’on ne se lasse pas d’entendre encore et encore.
Une deuxième raison de se réjouir de cette production est que sa mise en scène a été confiée à Robert Wilson (également présent à Luxembourg pour la création du Livre de la Jungle ). Le public luxembourgeois pourra à son tour découvrir les images scéniques que ce magicien des lumières, cet homme des déplacements mesurés, des hiératismes révélateurs, a créées. Comment il a réussi à conjuguer les déferlements de la fête tragique avec ses univers si superbement maîtrisés. Un troisième aspect bienvenu de cette Traviata est qu’elle sera dirigée par Teodor Currentzis, un chef qui s’est imposé à la tête de MusicAeterna, son orchestre de l’Opéra de Perm, dont il a fait un ensemble de référence.
[DE]
Rigoletto, La Traviata und Il Trovatore – die Werk-Trilogie, der Giuseppe Verdi seinen Weltruhm verdankt, stellt ganz bewusst Außenseiter der Gesellschaft in den Mittelpunkt der Handlung. In La Traviata ist es die Edel-Kurtisane Violetta Valéry, deren Liebe zu Alfredo Germont zum einen an dem Widerstand von dessen Vater scheitert, zum anderen durch ihren Tod an der Schwindsucht verunmöglicht wird.

In den Genuss von Verdi-Opern kam das Luxemburger Publikum in den vergangenen Jahren schon mehrfach: Otello (2012), La Forza del Destino (2013), Il Trovatore (2016), Simon Boccanegra (2017) und zuletzt Un Ballo in Maschera standen schon auf dem Programm. Nun folgt also La Traviata : Verdis Welterfolg nach dem Roman von Alexandre Dumas setzt mit Robert Wilson ein weltberühmter Regisseur in Szene.

Wilsons La Traviata -Inszenierung feierte 2015 im Landestheater Linz Premiere und reiste dann weiter an die Oper von Perm in Russland, wo sie im Juni 2016 unter der musikalischen Leitung des griechisch-russischen Dirigenten Teodor Currentzis das Diaghilev-Festival eröffnete – und 2017 den renommierten nationalen russischen Theaterpreis „Goldene Maske“ in gleich drei Kategorien erhielt: bester Operndirigent (Teodor Currentzis), beste Opernsängerin (Nadezhda Pavlova als Violetta Valéry) und bester Lichtdesigner (Robert Wilson). Mit Currentzis und seinem preisgekrönten Orchester MusicAeterna kommt die Produktion auch nach Luxemburg.

Robert Wilson steht in dieser Spielzeit noch ein zweites Mal auf der Agenda: Im April 2019 kann das Luxemburger Publikum die Weltpremiere seiner Musiktheater-Produktion von Rudyard Kiplings beliebtem Dschungelbuch erleben. Nach der Tanzchoreographie Two Lips and Dancers and Space (2004) und dem Theaterstück Oh les beaux jours (2008) ist es die dritte Erstaufführung des US-amerikanischen Starregisseurs am Grand Théâtre.

» Die Instrumente verschmelzen mit den wunderbaren Stimmen des russischen Ensembles, und immer wieder dringen, ganz zart, wie aus weiter Ferne, Verdis Banda-Klänge durch. Verzaubert folgt man dieser italienischen Spur durch den Currentzis-Abend in Perm. Frenetischer Jubel, die Zuschauer gehen in die russische Nacht hinaus, als hätten sie die Traviata zum ersten Mal gehört. Tages-Anzeiger zur Aufführung in Perm, Annette Freitag

» Mit seinem hochartifiziellen Kunstraum und seiner detailverliebten Choreographie gelingen Wilson Bilder von großer Suggestivkraft, die ihren eigenen Zauber entfalten und den Zuschauer in ihren Bann ziehen. Die Oper verwandelt sich in jenen Ort, der tauglich ist, „inmitten der entzauberten Welt“ das „magische Element der Kunst zu bewahren” (Theodor W. Adorno). Und dieses artikuliert sich naturgemäß zuallererst in der musikalischen Darbietung. ORF.at zur Premiere in Linz, Armin Sattler
[EN]
When one of the most “calm and collected” stage directors of our time and disciple of experimental theatre Robert Wilson directs one of Verdi’s most emotional masterpieces one can be certain of an intriguing evening. Wilson’s strange, abstract, surreal pictures engender gasps of adulation. Add to this the musical genius of conductor Teodor Currentzis, current artistic director of Perm Opera and Ballet Theatre and his award-winning MusicAeterna Ensemble and you have all the ingredients for a memorable operatic evening. Premiered at the Linz State Theatre in 2015, this production of La Traviata then transferred to Perm, Russia, where it was awarded the prestigious Golden Mask Award.

Wilson returns to the Grand Théâtre next April for the world premiere of his adaptation of Rudyard Kipling’s much loved classic The Jungle Book.

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Direction musicale Teodor Currentzis
Mise en scène, scénographie & lumière Robert Wilson
Direction du chœur Vitaly Polonsky
Costumes Yashi
Metteur en scène associé Nicola Panzer
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Dramaturge Konrad Kuhn Violetta Valéry Nadezhda Pavlova
Alfredo Germont Airam Hernandez
Giorgio Germont Dimitris Tiliakos
Flora Bervoix Natalia Buklaga
Annina Elena Yurchenko
Gastone Nikolay Fyodorov
Barone Douphol Viktor Shapovalov
Marchese d’Obigny Alexey Svetov
Dottore Grenvil Vladimir Taisaev Chœur & orchestre MusicAeterna Coproduction Unlimited Performing Arts; Landestheater Linz; Perm Opera and Ballet Theatre; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Première de cette production le 19 septembre 2015 au Landestheater, Linz Vendredi 12  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
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D’APRÈS WILLIAM SHAKESPEARE [FR]
Aurore Fattier est une jeune metteure en scène, diplômée de l’INSAS à Bruxelles, née en 1980 à Haïti et de nationalité française. S’intéressant de près à l’écriture contemporaine, elle s’est rapidement distinguée par des mises en scène originales et pertinentes dans leur approche dramaturgique et leur conception.

Pour Aurore Fattier, Othello de Shakespeare est une pièce érotique sur le destin, le désir et la beauté. Elle a voulu la faire sienne en l’envisageant dans une esthétique scénique de roman noir, loin des sempiternels clichés «rock gothique» selon lesquels on a tendance à la jouer aujourd’hui.

Othello sera free jazz. Les personnages, masqués de noir et de blanc, glisseront d’un rôle à l’autre, entraînant les spectateurs dans un vertige de théâtre dans le théâtre, à travers les époques, l’Europe, l’Afrique fantasmatique et l’Amérique. Son unité d’action sera le songe d’une nuit de noce à la temporalité labyrinthique. Ses espaces imaginaires scéniques seront le théâtre lui-même, un carnaval à Venise, un jardin d’éden exotique, et une chambre d’hôtel de luxe jouxtant une piscine au milieu d’un désert des confins de l’Europe, où une scène originelle, le meurtre d’une femme blanche par un homme noir pourrait se répéter à l’infini. 

Ambition sans limite, damnation, luxure, beauté fatale, violence et haine raciale, violence conjugale, telles seront ses lignes de fuite.

La mise en scène sera une expérience à la fois visuelle et textuelle, sorte de voyage dans le temps, articulant la préciosité du texte de Shakespeare, la rugosité de son contact avec d’autres textes plus contemporains (notamment une nouvelle de Mandiargues), la brutalité de l’action scénique, le réalisme onirique des décors, les jeux d’atmosphères et l’artifice des costumes. Un trio de free jazz et des chansons d’amour et d’histoires d’esclaves noirs américains auront leur part dans la représentation.

[DIS]
Avec Koen de Sutter, Pauline Discry, Fabien Magry, Vincent Minne, William Nadylam, Nancy Nkusi, Annah Schaeffer, Jérôme Varanfrain, Serge Wolf
Musiciens Jérémie Mosseray (batterie, programmation), Manu Roland (guitare, saxophone, clavier), Grégoire Tirtiaux (saxophone, contrebasse) Mise en scène Aurore Fattier
Adaptation & dramaturgie Sébastien Monfè
(dramaturge associé au Théâtre de Liège)
Assistanat à la mise en scène Lara Ceulemans
Costumes Prunelle Rulens
Vidéo Vincent Pinckaers
Lumière Matthieu Ferry
Scénographie Sabine Theunissen
Assistant scénographe Simon Detienne
Direction technique Hugues Girard & Emilien Baudelot Un spectacle de Solarium asbl
Production Théâtre de Liège & DC&J Création
avec le soutien du Tax Shelter du Gouvernement fédéral de Belgique et de Inver Tax Shelter
Coproduction Théâtre de Namur; Mars – Mons arts de la scène; Les Célestins – Lyon; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; TNT – Théâtre national de Toulouse; Bonlieu – Scène Nationale d’Annecy, KVS Première septembre 2018, Théâtre de Liège  Mercredi 17  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Jeudi 18  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 20  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Dimanche 21  OCTOBRE 2018 à 17h00 (tickets)
DURÉE environ 3h30 (entracte inclus)
Introduction à la pièce une demi-heure avant chaque représentation (en français)
Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Studio
[TICKETS]2018-10-17 20:00:00 25384+2018-10-18 20:00:00 25385+2018-10-20 20:00:00 25386+2018-10-21 17:00:00 25387

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Aurore Fattier est une jeune metteure en scène, diplômée de l’INSAS à Bruxelles, née en 1980 à Haïti et de nationalité française. S’intéressant de près à l’écriture contemporaine, elle s’est rapidement distinguée par des mises en scène originales et pertinentes dans leur approche dramaturgique et leur conception.

Pour Aurore Fattier, Othello de Shakespeare est une pièce érotique sur le destin, le désir et la beauté. Elle a voulu la faire sienne en l’envisageant dans une esthétique scénique de roman noir, loin des sempiternels clichés «rock gothique» selon lesquels on a tendance à la jouer aujourd’hui.

Othello sera free jazz. Les personnages, masqués de noir et de blanc, glisseront d’un rôle à l’autre, entraînant les spectateurs dans un vertige de théâtre dans le théâtre, à travers les époques, l’Europe, l’Afrique fantasmatique et l’Amérique. Son unité d’action sera le songe d’une nuit de noce à la temporalité labyrinthique. Ses espaces imaginaires scéniques seront le théâtre lui-même, un carnaval à Venise, un jardin d’éden exotique, et une chambre d’hôtel de luxe jouxtant une piscine au milieu d’un désert des confins de l’Europe, où une scène originelle, le meurtre d’une femme blanche par un homme noir pourrait se répéter à l’infini. 

Ambition sans limite, damnation, luxure, beauté fatale, violence et haine raciale, violence conjugale, telles seront ses lignes de fuite.

La mise en scène sera une expérience à la fois visuelle et textuelle, sorte de voyage dans le temps, articulant la préciosité du texte de Shakespeare, la rugosité de son contact avec d’autres textes plus contemporains (notamment une nouvelle de Mandiargues), la brutalité de l’action scénique, le réalisme onirique des décors, les jeux d’atmosphères et l’artifice des costumes. Un trio de free jazz et des chansons d’amour et d’histoires d’esclaves noirs américains auront leur part dans la représentation.

[DIS]
Avec Koen de Sutter, Pauline Discry, Fabien Magry, Vincent Minne, William Nadylam, Nancy Nkusi, Annah Schaeffer, Jérôme Varanfrain, Serge Wolf
Musiciens Jérémie Mosseray (batterie, programmation), Manu Roland (guitare, saxophone, clavier), Grégoire Tirtiaux (saxophone, contrebasse) Mise en scène Aurore Fattier
Adaptation & dramaturgie Sébastien Monfè
(dramaturge associé au Théâtre de Liège)
Assistanat à la mise en scène Lara Ceulemans
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Vidéo Vincent Pinckaers
Lumière Matthieu Ferry
Scénographie Sabine Theunissen
Assistant scénographe Simon Detienne
Direction technique Hugues Girard & Emilien Baudelot Un spectacle de Solarium asbl
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Coproduction Théâtre de Namur; Mars – Mons arts de la scène; Les Célestins – Lyon; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; TNT – Théâtre national de Toulouse; Bonlieu – Scène Nationale d’Annecy, KVS Première septembre 2018, Théâtre de Liège  Mercredi 17  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
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Othello sera free jazz. Les personnages, masqués de noir et de blanc, glisseront d’un rôle à l’autre, entraînant les spectateurs dans un vertige de théâtre dans le théâtre, à travers les époques, l’Europe, l’Afrique fantasmatique et l’Amérique. Son unité d’action sera le songe d’une nuit de noce à la temporalité labyrinthique. Ses espaces imaginaires scéniques seront le théâtre lui-même, un carnaval à Venise, un jardin d’éden exotique, et une chambre d’hôtel de luxe jouxtant une piscine au milieu d’un désert des confins de l’Europe, où une scène originelle, le meurtre d’une femme blanche par un homme noir pourrait se répéter à l’infini. 

Ambition sans limite, damnation, luxure, beauté fatale, violence et haine raciale, violence conjugale, telles seront ses lignes de fuite.

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D’APRÈS WILLIAM SHAKESPEARE [FR]
Aurore Fattier est une jeune metteure en scène, diplômée de l’INSAS à Bruxelles, née en 1980 à Haïti et de nationalité française. S’intéressant de près à l’écriture contemporaine, elle s’est rapidement distinguée par des mises en scène originales et pertinentes dans leur approche dramaturgique et leur conception.

Pour Aurore Fattier, Othello de Shakespeare est une pièce érotique sur le destin, le désir et la beauté. Elle a voulu la faire sienne en l’envisageant dans une esthétique scénique de roman noir, loin des sempiternels clichés «rock gothique» selon lesquels on a tendance à la jouer aujourd’hui.

Othello sera free jazz. Les personnages, masqués de noir et de blanc, glisseront d’un rôle à l’autre, entraînant les spectateurs dans un vertige de théâtre dans le théâtre, à travers les époques, l’Europe, l’Afrique fantasmatique et l’Amérique. Son unité d’action sera le songe d’une nuit de noce à la temporalité labyrinthique. Ses espaces imaginaires scéniques seront le théâtre lui-même, un carnaval à Venise, un jardin d’éden exotique, et une chambre d’hôtel de luxe jouxtant une piscine au milieu d’un désert des confins de l’Europe, où une scène originelle, le meurtre d’une femme blanche par un homme noir pourrait se répéter à l’infini. 

Ambition sans limite, damnation, luxure, beauté fatale, violence et haine raciale, violence conjugale, telles seront ses lignes de fuite.

La mise en scène sera une expérience à la fois visuelle et textuelle, sorte de voyage dans le temps, articulant la préciosité du texte de Shakespeare, la rugosité de son contact avec d’autres textes plus contemporains (notamment une nouvelle de Mandiargues), la brutalité de l’action scénique, le réalisme onirique des décors, les jeux d’atmosphères et l’artifice des costumes. Un trio de free jazz et des chansons d’amour et d’histoires d’esclaves noirs américains auront leur part dans la représentation.

[DIS]
Avec Koen de Sutter, Pauline Discry, Fabien Magry, Vincent Minne, William Nadylam, Nancy Nkusi, Annah Schaeffer, Jérôme Varanfrain, Serge Wolf
Musiciens Jérémie Mosseray (batterie, programmation), Manu Roland (guitare, saxophone, clavier), Grégoire Tirtiaux (saxophone, contrebasse) Mise en scène Aurore Fattier
Adaptation & dramaturgie Sébastien Monfè
(dramaturge associé au Théâtre de Liège)
Assistanat à la mise en scène Lara Ceulemans
Costumes Prunelle Rulens
Vidéo Vincent Pinckaers
Lumière Matthieu Ferry
Scénographie Sabine Theunissen
Assistant scénographe Simon Detienne
Direction technique Hugues Girard & Emilien Baudelot Un spectacle de Solarium asbl
Production Théâtre de Liège & DC&J Création
avec le soutien du Tax Shelter du Gouvernement fédéral de Belgique et de Inver Tax Shelter
Coproduction Théâtre de Namur; Mars – Mons arts de la scène; Les Célestins – Lyon; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; TNT – Théâtre national de Toulouse; Bonlieu – Scène Nationale d’Annecy, KVS Première septembre 2018, Théâtre de Liège  Mercredi 17  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Jeudi 18  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 20  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Dimanche 21  OCTOBRE 2018 à 17h00 (tickets)
DURÉE environ 3h30 (entracte inclus)
Introduction à la pièce une demi-heure avant chaque représentation (en français)
Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Studio
[TICKETS]2018-10-17 20:00:00 25384+2018-10-18 20:00:00 25385+2018-10-20 20:00:00 25386+2018-10-21 17:00:00 25387

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1 Rond-point Schuman
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Date(s)

REQUIEM POUR L.
AVEC 14 MUSICIENS / DANSEURS [FR]
Le chorégraphe Alain Platel et le musicien Fabrizio Cassol n’en sont pas à leur première collaboration. On se souviendra de vsprs sur la musique de Monteverdi et de pitié! sur du Bach présentés au Grand Théâtre.

Cette fois, c’est une œuvre capitale, le Requiem de Mozart, qu’ils abordent, et à son propos, le tabou de la mort, dans une approche humainement radicale. Sur un écran, une dame immobile filmée en noir et blanc. Elle est réellement en train de mourir. La messe des morts de Mozart va l’accompagner. Aucun voyeurisme dans cette approche, rien de choquant, L. et sa famille ont marqué leur accord pour participer à cette œuvre d’art si éminemment significative.

Pas de danseurs sur le plateau, mais des musiciens et des chanteurs chorégraphiant la musique qu’ils interprètent. Conjuguant le classique, du jazz contemporain et de la musique populaire africaine, ils complètent en quelque sorte le Requiem inachevé de Mozart. Tout cela se vit – terme paradoxal – dans une scénographie originalement inspirée du monument à la Shoah de Berlin.

Pour Alain Platel, ces rencontres inattendues sont «comme un puzzle ou un travail de dentellerie».

» Sur scène, la troupe s’empare avec un soin infini de cette mort ainsi offerte et exposée, en en faisant, au fil des minutes, un objet précieux. Le résultat laisse sans voix, sublime. Le Soir, Béatrice Delvaux

[DE] „Alain Platel, Fabrizio Cassol und ihr großartiges Ensemble zelebrieren eine leise, eindringliche Totenmesse für L. als eine Feier des Lebens. […] Großer Jubel für intensives Musik-Theater, ein Fest der menschlichen Stimmen und der Mitmenschlichkeit!“, schreibt Karin Schmidt-Feister auf dem Internetportal tanznetz.de über die Produktion Requiem pour L. der Belgier Fabrizio Cassol (Musik) und Alain Platel (Regie), von denen bereits mehrere Arbeiten im Grand Théâtre zu sehen waren.

Platel und Cassol haben eine zeitgenössische Art von Messe für den Tod geschaffen. Das Stück begleitet konkret und sichtbar eine Frau beim Sterben – für ihren Namen und ihr Leben steht der Buchstabe L. Gemeinsam mit Musikerinnen und Musikern aus Afrika und Europa hat Cassol aus Mozarts Requiem eine musikalische Zeremonie entwickelt, die neue Wege im Umgang mit dem Tod eröffnet.
[EN]
Alain Platel and composer Fabrizio Cassol have collaborated before and both vsprs and pitié! Were performed at the Grand Théâtre. In Requiem pour L. fourteen musicians from across the world come together around one of Mozart’s most famous pieces of music, the Requiem . In this production, Platel and Cassol create a contemporary death mass of sorts as we bear witness to the real death of a woman, filmed in black and white and projected onto a screen. The L. of the title stands for her name and her life. In reconstructing Mozart’s masterpiece, the musicians merge their own musical influences with different genres, including jazz, opera and popular African music. Cassol has made it clear that this reinterpretation is the most perilous musical undertaking he has ever attempted and his great challenge was imagining a different kind of ceremony for mourning that is neither Western nor African.

Belgian-born Alain Platel creates radical dance theatre and with the company he produces a visual and physical translation of the images and associations that a requiem conjures up and investigates the taboo surrounding death.

[DIS]
Musique Fabrizio Cassol d’après le Requiem de Mozart
Mise en scène Alain Platel
Chef d’orchestre Rodriguez Vangama De & avec Rodriguez Vangama (guitare et basse électrique); Boule Mpanya, Fredy Massamba, Russell Tshiebua (chant); Nobulumko Mngxekeza, Owen Metsileng, Stephen Diaz/Rodrigo Ferreira (chant lyrique); Joao Barradas (accordéon); Kojack Kossakamvwe (guitare électrique); Niels Van Heertum (euphonium); Bouton Kalanda, Erick Ngoya, Silva Makengo (likembe); Michel Seba (percussions) Dramaturgie Hildegard De Vuyst
Assistante musicale Maribeth Diggle
Assistance à la chorégraphie Quan Bui Ngoc
Vidéo Simon Van Rompay
Caméra Natan Rosseel
Scénographie Alain Platel
Réalisation décor Wim Van de Cappelle
en collaboration avec l’ atelier de décor du NTGent
Lumière Carlo Bourguignon
Son Carlo Thompson
Costumes Dorine Demuynck Remerciements à Isnelle da Silveira, Filip De Boeck, Barbara Raes, Griet Callewaert, atelier NTGent, Madame S.P., Mademoiselle A.C., Fondation Camargo (Cassis, France), Sylvain Cambreling, Connexion vzw
Avec nos sincères remerciements à L. et sa famille pour leur ouverture exceptionnelle, leur grande confiance et leur soutien unique de ce projet spécial
En dialogue avec Dr. Marc Cosyns Production les ballets C de la B; Festival de Marseille; Berliner Festspiele
Coproduction Opéra de Lille; Chaillot – Théâtre national de la Danse; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Onassis Cultural Centre Athens; TorinoDanza; Aperto Festival/Fondazione I Teatri Reggio Emilia; Kampnagel Hamburg; Ludwigsburger Schlossfestspiele; Festspielhaus St. Pölten; L’Arsenal Metz; Scène Nationale du Sud-Aquitain – Bayonne; La Ville de Marseille-Opéra Distribution Frans Brood Productions
Avec l’appui de la ville de Gand, de la Province de la Flandre-Orientale, des autorités flamandes, North Sea Port et le Taxshelter belge Première mondiale 18 janvier 2018, Berliner Festspiele Vendredi 19  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)

DURÉE 1h40 (pas d'entracte)Adultes 25 €, 20 €, 15 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle
[TICKETS]2018-10-19 20:00:00 25388

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POLITICAL MOTHER (2010)
CHOREOGRAPHY & MUSIC BY HOFESH SHECHTER
PERFORMED BY HOFESH SHECHTER COMPANY
WITH 10 DANCERS & 7 MUSICIANS CREATIVE RESIDENCY [EN]
Political Mother brims with Shechter’s emotional and gritty complexity. Pulsating live music, extraordinary ensemble sequences, and cinematic editing make Political Mother a dance experience like no other. Performed by Shechter’s internationally acclaimed dancers and accompanied by his rock-gig score, Political Mother features a band of live drummers and electric guitarists. This piece promises to draw audiences back to Shechter’s world whose astonishing unisons, percussive grooves and raw, honest physicality mark him as one of the most exciting artists to emerge in recent years.

» Political Mother is [...] as ambitious and as headsdown, hair-prickingly exhilarating as modern dance gets [...]. Part dance show, part heavy-rock gig, Hofesh Shechter’s first ever full-length work is an audio-visual marvel [...]. The existential anguish; the uniquely tribal, simian steps; the driving score (by Shechter himself), the cinematic, spot-lit “jumpcuts” between different parts of the stage – all are here, but cranked up to a new, astonishing level. The Telegraph, Mark Monahan

» In Political Mother, Shechter returns to his most characteristic theme, puzzling over the mechanisms of state and society, but his focus here is on the ways in which ideals of camaraderie, duty and service can be annexed and brutalised by a repressive power. The Guardian, Judith Mackrell
[FR]
Après une belle carrière de danseur, Hofesh Shechter s’est imposé comme chorégraphe. Ancien batteur dans un groupe de rock, il crée luimême les partitions pour chacune de ses créations de danse, une musique à la fois à l’état brut et riche en atmosphères.

Political Mother déborde de la complexité émotionnelle et engagée de Shechter. La pièce nous plonge dans l’atmosphère d’un concert de rock, une sorte d’heavy metal métissé, faisant référence à une lointaine ville d’un désert oublié où, au milieu de musiciens et de danseurs, s’agitent des batteurs en costume militaire et un dictateur virulent. Dans des séquences d’ensemble extraordinaires, les corps retrouvent l’essence des danses cycliques et des transes chamaniques. Ils traduisent folie et colère, politique et révolte.

» Viscéral et rock, ce spectacle créé en 2010 par le chorégraphe, compositeur et percussionniste, a emporté l’adhésion et affirmé le savoir-faire tranchant de cet artiste ultra-offensif. La fusion d’un son dur, tribal, et d’une danse agressive et puissante fait, entre autres, la force de cet opus très écrit, très sauvage. Un paradoxe Shechter qui est déjà tout un art. À voir et à revoir.  Télérama Sortir, Rosita Boisseau

[DE] Political Mother markiert endgültig Hofesh Shechters internationalen Durchbruch. Uraufgeführt wurde diese Arbeit 2010 beim Brighton Festival – und begeisterte Kritiker wie Publikum. Das Werk sei eine „Kreuzung aus Tanzperformance und Rockkonzert“, wie Sandra Luzina im Tagesspiegel über Shechters „Reflexion über Macht und Masse“ schreibt, bei der es „nicht nur um die Unterdrückung von Individualität, sondern auch um den Wunsch nach Gefolgschaft“ gehe. Wie bei all seinen Arbeiten stammt auch die musikalische Kulisse von Hofesh Shechter selbst, der nach seinem Abschluss an der Tanz- und Musikakademie in seiner Heimatstadt Jerusalem Schlagzeug und Percussion in Tel Aviv (wo er für die berühmte Batsheva Dance Company tanzte) und Paris studierte und als Drummer in einer Rockband gespielt hat.

» Political Mother ist ein Tanzstück, das bei 70 Minuten Dauer in kaum einem Moment locker lässt. Welle um Welle rollt in die Zuschauerreihen, Welle um Welle an massivem Klang [...] und an rastloser Gruppenbewegung. In gewisser Weise nutzt Shechter faschistische Überwältigungsästhetik, um faschistische Überwältigungsästhetik zu kritisieren. Er bricht sie, indem er sie auf die beängstigende Spitze treibt. Er bricht sie durch die Bewegungssprache und die äußerst sparsame, unheimliche Beleuchtung: Seine Tänzer huschen über weite Strecken gleichsam durch Nacht und (Theater-)Nebel. Frankfurter Rundschau , Sylvia Staude

» Ein düsteres Weltbild. Choreographie ist für Shechter das Schwarmverhalten der Menschheit, die immer nur auf einen Befehl von oben, Gott und Führer, von Siegern und Unterdrückern lauert. Man ahnt in derselben Geste der erhobenen Arme, die mühelos den Bedeutungszirkel von Anbetung zum Aufstand durchlebt, die ganze Kunst von Hofesh Shechter. Um sie anzuschieben, erzeugt er enormen Druck auf der Bühne; sie ist ein geschlossener Kessel, der dampft wie England, der zischt wie Israel, der platzt wie Gaza, ein lärmender Druckbehälter. Auf dessen Rückseite lässt Shechter einen bescheidenen Satz verglühen: „When there is pressure there is folkdance.“ tanz , Arnd Wesemann

[DIS]
Choreography & Music Hofesh Shechter
Musical Collaborators Nell Catchpole, Yaron Engler
Percussion Arrangements Hofesh Shechter, Yaron Engler
Additional Music J.S. Bach, Cliff Martinez, Joni Mitchell, Giuseppe Verdi
Lighting Design Lee Curran
Costume Design Merle Hensel

Commissioned by Brighton Dome and Festival, Sadler’s Wells (London) and Movimentos – Festwochen der Autostadt in Wolfsburg
Co-commissioned by Biennale de la Danse de Lyon, Théâtre de la Ville-Paris, Romaeuropa & Mercat de les Flors
Produced in collaboration with Theatre Royal, Plymouth
and with support from DanceXchange, Birmingham The score for Political Mother was created in collaboration with the Guildhall School of Music & Drama and barbicanbite09, with research supported by Jerwood Studio at Sadler’s Wells. Collaboration with FOS supported by Outset. The use of Solaris by Cliff Martinez is by arrangement with EMI Music Publishing Limited.
Hofesh Shechter Company is supported using public funding by the National Lottery through Arts Council England. The Company also gratefully acknowledges current supporters: Esmée Fairbairn Foundation, Jerwood Charitable Foundation, The John Ellerman Foundation, The Leche Trust, The Marina Kleinwort Trust, Paul Hamlyn Foundation and Quercus Trust. Corporate Supporters: Bloomberg Hofesh Shechter Company is a registered charity no. 1130255
Mardi 23  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE 1h10 (pas d'entracte)Adultes 25 €, 20 €, 15 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle
[TICKETS]2018-10-23 20:00:00 25389

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Date(s)

SHOW
THE ENTRANCE / CLOWNS / EXIT
CHOREOGRAPHY & MUSIC BY HOFESH SHECHTER
PERFORMED BY SHECHTER II
WITH 8 DANCERS CREATIVE RESIDENCY [EN]
SHOW is a performance in three acts – The Entrance, Clowns and Exit – combining Hofesh’s bold, exhilarating and tribal choreography with a pulsating score, created for 8 young dancers, especially selected to form his junior company Shechter II. It offers a bitingly comic vision of a topsy-turvy world where fools can be kings and kings fools, performed in the company’s unique and unforgettable theatre-dance-rock-gig style.

Originally commissioned and created by Shechter for the prestigious Nederlands Dans Theater in 2016, Clowns is rearranged for Shechter II and is accompanied by a new creation performed by the hottest young talent in the company.

[DE] In SHOW gibt Hofesh Shechter die Bühne frei für junge Tanztalente. In der Truppe Shechter II fördert der Starchoreograph 8 Tänzer zwischen 18 und 25 Jahren. Mehr als 1.000 Bewerber aus aller Welt hatten vorgetanzt, um in diese Kompanie aufgenommen zu werden. SHOW ist ein provokativer Abend, an dem die Welt Kopf steht, bestehend aus drei Akten – The Entrance, Clowns und Exit – performt im „Theater-Tanz-Rock-Gig-Style“. Die ursprüngliche Version von Clowns kreierte Shechter für das Nederlands Dans Theater 1. Sie feierte 2016 Premiere.

» Sie ist so hochpolitisch, wie eine Choreographie nur sein kann, und gleichwohl auf eine Weise unterhaltsam, die einem am Ende nicht mehr ganz geheuer ist.  tanz, Hartmut Regitz zu Clowns mit dem NDT 1

[FR] SHOW est un spectacle en trois actes, dont deux créations: The Entrance, Clowns et Exit , qui aura la particularité d’être interprété par Shechter II, un groupe composé de 8 jeunes danseurs talentueux, «apprentis» de la compagnie. Créé en 2016, Clowns s’articule autour d’un groupe d’artistes anarchiques qui jouent leurs rôles dans un cirque macabre de comédie, de meurtre et de désir.

Dans SHOW , la chorégraphie audacieuse, exaltante et tribale d’Hofesh Shechter offre une vision comique et mordante d’un monde à l’envers où les fous peuvent être des rois et les rois des fous, dans un style unique et inoubliable de théâtre-danse rock- concert. Avec son éclairage tranchant comme une lame de rasoir et sa partition palpitante, le travail de Shechter a l’énergie d’un concert rock combiné à une belle chorégraphie émouvante.

[DIS]
Choreography & Music Hofesh Shechter
Original Lighting ( Clowns ) Lee Curran
Lighting Designer ( SHOW ) Richard Godin
Rehearsal Director Chien Ming Chang
Touring Rehearsal Director Sam Coren
Costume Supervisor Laura Rushton Dancers Robinson Cassarino, Emma Farnell-Watson, Natalia Gabrielczyk, Adam Khazhmuradov, Neal Maxwell, Zunnur Sazali, Juliette Valerio, Riley Wolf Clowns Premiere April 29, 2016 by the Nederlands Dans Theater 1 in The Hague, The Netherlands. Additional Music Credits: “Concerto grosso in G Minor, Op. 6, No. 8 "fatto per la notte di Natale" Vivace - Allegro - Largo (Pastorale)“ by Arcangelo Corelli Courtesy of Harmonia Mundi / [PIAS]
Composer: Shin Joong Hyun
Track: The Sun
Performed by: Kim Jung Mi
Album: Beautiful Rivers And Mountains: The Psychedelic Rock Sound Of South Korea’s Shin Joong HyunProduction Team
Technical Manager Holly Gould
Re-Lighter Alan Valentine
Produced by Hofesh Shechter Company
Clowns was originally commissioned by Nederlands Dans Theater 1 in 2016.
SHOW , is produced in association with HOME Manchester and the Lyric Hammersmith,
and received production support from Fondazione I Teatri Reggio Emilia
& a production residency at the Attenborough Centre for the Creative Arts, Brighton.
Hofesh Shechter Company is supported using public funding through Arts Council England. Hofesh Shechter Company benefits from the support of BNP Paribas Foundation for the development of its projects.
Jeudi 25  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE 1h00 (pas d'entracte)Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Studio
[TICKETS]2018-10-25 20:00:00 25390

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GRAND FINALE
CHOREOGRAPHY & MUSIC BY HOFESH SHECHTER
PERFORMED BY HOFESH SHECHTER COMPANY
WITH 10 DANCERS & 6 MUSICIANS CREATIVE RESIDENCY You have the opportunity to meet the artistic team after the first performance. [EN]
The week-long residency comes to a close with Hofesh Shechter’s latest work, fittingly called Grand Finale, a spectacularly bold and ambitious new piece featuring 10 dancers and 6 musicians. Grand Finale is at once comic, bleak and beautiful, evoking a world at odds with itself, full of anarchic energy and violent comedy. Filtering this irrepressible spirit, Shechter creates a vision of a world in freefall: part gig, part dance, part theatre and wholly original.

» ... a wild waltz for the end of time ... [ Grand Finale ] ranks among Shechter’s most sophisticated creations.  The Guardian, Judith Mackrell

» The ultimate dance macabre [...] Hofesh Shechter’s existential anguish and his often beautiful choreography fight to the death. The Observer, Luke Jennings

[FR] Grand Finale, la dernière création de la compagnie, clôt cette semaine dédiée à la Hofesh Shechter Company. Cette pièce pour 10 danseurs et 6 musiciens balance entre énergie anarchique et comédie violente. Comique, sombre et belle, elle est une nouvelle preuve de la façon dont Shechter, qui avance à l’instinct et suit ses envies en les articulant dans des cadres spectaculaires solides, ne lésine pas sur les moyens pour faire grimper la tension sur scène. La danse est plongée dans un bain sonore de haute volée, interprété en direct par un groupe de musiciens capables de jouer à la fois traditionnel et rock.
[DE]
Grand Finale ist Hofesh Shechters neueste Arbeit – und auch sie hat mehr als überzeugt. Als komisch, düster und schön zugleich bezeichnet Shechter sein Werk. Es zeichnet das Bild einer Welt, die mit sich selbst ringt, eine Welt im freien Fall, voll anarchischer Energie und grausamer Komik. 6 Musiker spielen live die von Shechter wie stets selbst komponierte Klangkulisse auf unterschiedlichen Instrumenten. Dazu tanzen 10 Ensemblemitglieder aus 8 unterschiedlichen Ländern und Tom Visser bietet „fabelhaftes Lichtdesign“ (Frankfurter Rundschau, Sylvia Staude).

» Von Uprising (2006) über Political Mother (2010) und Sun (2013) bis zu dieser jüngsten Kreation [ Grand Finale ] ziehen sich Zornesadern durch sein Werk. Der Choreograph ist der Chronist der Menschendämmerung. Er kann Kunst nur als Politikum denken, als Politikum machen. Danach hungert das ausgezehrte Theater genau wie insbesondere das junge Publikum. [...] Kein anderes Tanz- Kollektiv kann so ergreifend, so einschüchternd und beängstigend zugleich zu einem einzigen Organismus zusammenwachsen. Kein anderes so beiläufig die Drohgebärde auflösen und in lauter Individuen zerfallen. Süddeutsche Zeitung , Dorion Weickmann

» Eine Vermessung der Welt zwischen Armut und Terror, eine Abrechnung mit totalitärer Operettenseligkeit. tanz, Dorion Weickmann

[DIS]
Choreography & Music Hofesh Shechter
Set & Costume Design Tom Scutt
Lighting Design Tom Visser
Music Collaborators Nell Catchpole & Yaron Engler
Associate Artistic Director Bruno Guillore
Design Assistant (Set + Costume) Rosie Elnile
Dancers Robinson Cassarino, Chien-Ming Chang, Frédéric Despierre, Rachel Fallon, Mickaël Frappat, Yeji Kim, Kim Kohlmann, Erion Kruja, Attila Ronai, Hannah Shepherd
Musicians James Adams, Chris Allan, Rebekah Allan, Mehdi Ganjvar, Sabio Janiak & Desmond Neysmith
Music
Original Score Hofesh Shechter
Music Collaborators Nell Catchpole and Yaron Engler
Percussion on Soundtrack Hofesh Shechter
with Yaron Engler
Score transcribed by Christopher Allan
Additional Music: ‘Merry Widow Waltz’ by Franz Lehar, as performed by the London Philharmonic Orchestra and by arrangement with Glocken Verlag Limited, Andante Cantabile String Quartet No.1 and Suite No. 4 in G Major by Pyotr Tchaikovsky and ‘Russian Tune’ by Vladimir Zaldwich
Production Team
Technical Manager MJ Holland
Re-Lighter Andrej Gubanov
Sound Technician Guy Coletta
Stage Manager Leon Smith
Assistant Stage Manager Emma Dymott Produced by Hofesh Shechter Company
and commissioned by Georgia Rosengarten
Commissioning Partners Sadler’s Wells; Théâtre de la Ville-Paris / La Villette-Paris & Brighton Dome and Festival
Co-commissioned by Colours International Dance Festival Stuttgart; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Romaeuropa Festival; Theatre Royal Plymouth and Marche Teatro / Inteatro Festival together with Danse Danse Montréal; HELLERAU – European Center for the Arts Dresden
in cooperation with Dresdner Musikfestspiele; Dansens Hus Oslo; Athens and Epidaurus Festival; HOME Manchester & Scène Nationale d’Albi Grand Finale is generously supported by the International Music and Arts Foundation. Premiere 14 June 2017, La Villette (Paris) with Théâtre de la Ville-Paris Vendredi 26  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 27  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE 1h40 & entracteAdultes 25 €, 20 €, 15 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle
[TICKETS]2018-10-26 20:00:00 25391+2018-10-27 20:00:00 25392

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GRAND FINALE
CHOREOGRAPHY & MUSIC BY HOFESH SHECHTER
PERFORMED BY HOFESH SHECHTER COMPANY
WITH 10 DANCERS & 6 MUSICIANS CREATIVE RESIDENCY You have the opportunity to meet the artistic team after the first performance. [EN]
The week-long residency comes to a close with Hofesh Shechter’s latest work, fittingly called Grand Finale, a spectacularly bold and ambitious new piece featuring 10 dancers and 6 musicians. Grand Finale is at once comic, bleak and beautiful, evoking a world at odds with itself, full of anarchic energy and violent comedy. Filtering this irrepressible spirit, Shechter creates a vision of a world in freefall: part gig, part dance, part theatre and wholly original.

» ... a wild waltz for the end of time ... [ Grand Finale ] ranks among Shechter’s most sophisticated creations.  The Guardian, Judith Mackrell

» The ultimate dance macabre [...] Hofesh Shechter’s existential anguish and his often beautiful choreography fight to the death. The Observer, Luke Jennings

[FR] Grand Finale, la dernière création de la compagnie, clôt cette semaine dédiée à la Hofesh Shechter Company. Cette pièce pour 10 danseurs et 6 musiciens balance entre énergie anarchique et comédie violente. Comique, sombre et belle, elle est une nouvelle preuve de la façon dont Shechter, qui avance à l’instinct et suit ses envies en les articulant dans des cadres spectaculaires solides, ne lésine pas sur les moyens pour faire grimper la tension sur scène. La danse est plongée dans un bain sonore de haute volée, interprété en direct par un groupe de musiciens capables de jouer à la fois traditionnel et rock.
[DE]
Grand Finale ist Hofesh Shechters neueste Arbeit – und auch sie hat mehr als überzeugt. Als komisch, düster und schön zugleich bezeichnet Shechter sein Werk. Es zeichnet das Bild einer Welt, die mit sich selbst ringt, eine Welt im freien Fall, voll anarchischer Energie und grausamer Komik. 6 Musiker spielen live die von Shechter wie stets selbst komponierte Klangkulisse auf unterschiedlichen Instrumenten. Dazu tanzen 10 Ensemblemitglieder aus 8 unterschiedlichen Ländern und Tom Visser bietet „fabelhaftes Lichtdesign“ (Frankfurter Rundschau, Sylvia Staude).

» Von Uprising (2006) über Political Mother (2010) und Sun (2013) bis zu dieser jüngsten Kreation [ Grand Finale ] ziehen sich Zornesadern durch sein Werk. Der Choreograph ist der Chronist der Menschendämmerung. Er kann Kunst nur als Politikum denken, als Politikum machen. Danach hungert das ausgezehrte Theater genau wie insbesondere das junge Publikum. [...] Kein anderes Tanz- Kollektiv kann so ergreifend, so einschüchternd und beängstigend zugleich zu einem einzigen Organismus zusammenwachsen. Kein anderes so beiläufig die Drohgebärde auflösen und in lauter Individuen zerfallen. Süddeutsche Zeitung , Dorion Weickmann

» Eine Vermessung der Welt zwischen Armut und Terror, eine Abrechnung mit totalitärer Operettenseligkeit. tanz, Dorion Weickmann

[DIS]
Choreography & Music Hofesh Shechter
Set & Costume Design Tom Scutt
Lighting Design Tom Visser
Music Collaborators Nell Catchpole & Yaron Engler
Associate Artistic Director Bruno Guillore
Design Assistant (Set + Costume) Rosie Elnile
Dancers Robinson Cassarino, Chien-Ming Chang, Frédéric Despierre, Rachel Fallon, Mickaël Frappat, Yeji Kim, Kim Kohlmann, Erion Kruja, Attila Ronai, Hannah Shepherd
Musicians James Adams, Chris Allan, Rebekah Allan, Mehdi Ganjvar, Sabio Janiak & Desmond Neysmith
Music
Original Score Hofesh Shechter
Music Collaborators Nell Catchpole and Yaron Engler
Percussion on Soundtrack Hofesh Shechter
with Yaron Engler
Score transcribed by Christopher Allan
Additional Music: ‘Merry Widow Waltz’ by Franz Lehar, as performed by the London Philharmonic Orchestra and by arrangement with Glocken Verlag Limited, Andante Cantabile String Quartet No.1 and Suite No. 4 in G Major by Pyotr Tchaikovsky and ‘Russian Tune’ by Vladimir Zaldwich
Production Team
Technical Manager MJ Holland
Re-Lighter Andrej Gubanov
Sound Technician Guy Coletta
Stage Manager Leon Smith
Assistant Stage Manager Emma Dymott Produced by Hofesh Shechter Company
and commissioned by Georgia Rosengarten
Commissioning Partners Sadler’s Wells; Théâtre de la Ville-Paris / La Villette-Paris & Brighton Dome and Festival
Co-commissioned by Colours International Dance Festival Stuttgart; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Romaeuropa Festival; Theatre Royal Plymouth and Marche Teatro / Inteatro Festival together with Danse Danse Montréal; HELLERAU – European Center for the Arts Dresden
in cooperation with Dresdner Musikfestspiele; Dansens Hus Oslo; Athens and Epidaurus Festival; HOME Manchester & Scène Nationale d’Albi Grand Finale is generously supported by the International Music and Arts Foundation. Premiere 14 June 2017, La Villette (Paris) with Théâtre de la Ville-Paris Vendredi 26  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 27  OCTOBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE 1h40 & entracteAdultes 25 €, 20 €, 15 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle
[TICKETS]2018-10-26 20:00:00 25391+2018-10-27 20:00:00 25392

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Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg
1 Rond-point Schuman
2525 LUXEMBOURG
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THOMAS MELLE
Kreation Nach der Vorstellung vom 14. November laden wir Sie zu einem Nachgespräch mit dem künstlerischen Team im Beisein von
Pr. Dr. Charles Pull (Psychiater, Psychotherapeut) ein. [DE]
„Es ist keine Schande, ein Opfer zu sein. Aber eine Schande ist es, zum Täter zu werden. Und Worte sind Taten. Wer jemand anderen ein ‚Opfer’ nennt, ist ein Täter – und macht sich ironischerweise selbst doch nur zum ‘Opfer’ der asozialen Umstände, die sein Denken beherrschen. Er oder sie entlarvt sich selbst. Solcher Denke sollten wir uns nicht verschreiben.“ (Ronald Rupp, Versetzung, 1. Szene)

Es läuft bei Ronald Rupp: Er ist ein beliebter Lehrer, kommt bei Schülern gut an, sie vertrauen ihm. Gerade wurde ihm der Direktorenposten angeboten. „Sie stärken das Profil der Schule“, lobt ihn der scheidende Direktor. Und: „Ihre Kompetenz steht außer Frage. Aber Charakter, das ist nochmal mehr als Kompetenz.“

Doch dann kommt alles ganz anders: Es geht bergab mit Ronald, seinem Ruf, seinem Ansehen. Weil da plötzlich so ein Gerücht kursiert. Das Gerücht über eine „schwere psychische Krankheit“. Manisch-depressiv lautete die Diagnose vor Jahren. Aber Ronald ist stabil, medikamentös gut  eingestellt – eigentlich. Doch die Elternschaft, das Kollegium ist alarmiert. Jetzt ist die Rede von einer „Zeitbombe“, einer „Black Box voller Unwägbarkeiten“, einem „schlafenden Hund“, der den Kindern, „wenn er mal richtig aufwacht, die süßen Gesichter wegfetzen wird“.

Der Autor Thomas Melle, geboren 1975, schreibt aus Erfahrung, er leidet selbst an der manischdepressiven Erkrankung, auch bipolare Störung genannt. In seinem autobiographischen Roman Die Welt im Rücken beschreibt er ein vom permanenten Ausnahmezustand bestimmtes Leben, das mit „himmelhoch jauchzend, zu Tode betrübt“ nur unzureichend umschrieben wäre.

Die Inszenierung von Max Claessen, Jahrgang 1978, interessiert vor allem, wie Melle mit Versetzung das Krankheitsbild manische Depression zur Metapher für eine Gesellschaft im Ausnahmezustand werden lässt.

» Es ist einfach hochdramatisch, wenn einer sich selbst verliert, wenn er austickt und seinem Alltag, seiner Umgebung ungewollt den Krieg erklärt. Und am Abnormalen, an der Abweichung zeigt sich die Norm noch einmal viel schärfer, ihre Mechanismen, ihre Zurichtungen, ihre Ausschlüsse, ihr Glück und ihr Unglück. Thomas Melle über Versetzung , Interview mit Peter Laudenbach in tip berlin

[DIS]
Mit Marc Baum, Nickel Bösenberg, Nora Koenig, Benjamin Krüger, Rosalie Maes, Nicole Max, Gintare Parulyte, Timo Wagner, Germain Wagner Inszenierung Max Claessen
Bühne & Kostüme Mirjam Benkner
Musik Christoph Coburger
Licht Steve Demuth
Regieassistenz Sally Merres
Maske Joël Seiller
Bau des Bühnenbilds Werkstatt der Théâtres de la Ville
Kostümassistenz & Garderobe Madelina Eischen-Loges
Produktion Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Aufführungsrechte bei schaefersphilippen Theater und Medien GbR Mardi 6  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Jeudi 8  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Lundi 12  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Mercredi 14  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 24  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE environ 2h00 (pas d'entracte)
Einführung zum Stück von Herrn Marc Rettel 1/2 Stunde vor jeder Vorstellung (in Deutsch).
Adultes 20 €, 15 €, 8 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Théâtre des Capucins
[TICKETS]2018-11-06 20:00:00 25393+2018-11-08 20:00:00 25394+2018-11-12 20:00:00 25397+2018-11-14 20:00:00 25520+2018-11-24 20:00:00 25521

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„Es ist keine Schande, ein Opfer zu sein. Aber eine Schande ist es, zum Täter zu werden. Und Worte sind Taten. Wer jemand anderen ein ‚Opfer’ nennt, ist ein Täter – und macht sich ironischerweise selbst doch nur zum ‘Opfer’ der asozialen Umstände, die sein Denken beherrschen. Er oder sie entlarvt sich selbst. Solcher Denke sollten wir uns nicht verschreiben.“ (Ronald Rupp, Versetzung, 1. Szene)

Es läuft bei Ronald Rupp: Er ist ein beliebter Lehrer, kommt bei Schülern gut an, sie vertrauen ihm. Gerade wurde ihm der Direktorenposten angeboten. „Sie stärken das Profil der Schule“, lobt ihn der scheidende Direktor. Und: „Ihre Kompetenz steht außer Frage. Aber Charakter, das ist nochmal mehr als Kompetenz.“

Doch dann kommt alles ganz anders: Es geht bergab mit Ronald, seinem Ruf, seinem Ansehen. Weil da plötzlich so ein Gerücht kursiert. Das Gerücht über eine „schwere psychische Krankheit“. Manisch-depressiv lautete die Diagnose vor Jahren. Aber Ronald ist stabil, medikamentös gut  eingestellt – eigentlich. Doch die Elternschaft, das Kollegium ist alarmiert. Jetzt ist die Rede von einer „Zeitbombe“, einer „Black Box voller Unwägbarkeiten“, einem „schlafenden Hund“, der den Kindern, „wenn er mal richtig aufwacht, die süßen Gesichter wegfetzen wird“.

Der Autor Thomas Melle, geboren 1975, schreibt aus Erfahrung, er leidet selbst an der manischdepressiven Erkrankung, auch bipolare Störung genannt. In seinem autobiographischen Roman Die Welt im Rücken beschreibt er ein vom permanenten Ausnahmezustand bestimmtes Leben, das mit „himmelhoch jauchzend, zu Tode betrübt“ nur unzureichend umschrieben wäre.

Die Inszenierung von Max Claessen, Jahrgang 1978, interessiert vor allem, wie Melle mit Versetzung das Krankheitsbild manische Depression zur Metapher für eine Gesellschaft im Ausnahmezustand werden lässt.

» Es ist einfach hochdramatisch, wenn einer sich selbst verliert, wenn er austickt und seinem Alltag, seiner Umgebung ungewollt den Krieg erklärt. Und am Abnormalen, an der Abweichung zeigt sich die Norm noch einmal viel schärfer, ihre Mechanismen, ihre Zurichtungen, ihre Ausschlüsse, ihr Glück und ihr Unglück. Thomas Melle über Versetzung , Interview mit Peter Laudenbach in tip berlin

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Mit Marc Baum, Nickel Bösenberg, Nora Koenig, Benjamin Krüger, Rosalie Maes, Nicole Max, Gintare Parulyte, Timo Wagner, Germain Wagner Inszenierung Max Claessen
Bühne & Kostüme Mirjam Benkner
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Produktion Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Aufführungsrechte bei schaefersphilippen Theater und Medien GbR Mardi 6  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
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Doch dann kommt alles ganz anders: Es geht bergab mit Ronald, seinem Ruf, seinem Ansehen. Weil da plötzlich so ein Gerücht kursiert. Das Gerücht über eine „schwere psychische Krankheit“. Manisch-depressiv lautete die Diagnose vor Jahren. Aber Ronald ist stabil, medikamentös gut  eingestellt – eigentlich. Doch die Elternschaft, das Kollegium ist alarmiert. Jetzt ist die Rede von einer „Zeitbombe“, einer „Black Box voller Unwägbarkeiten“, einem „schlafenden Hund“, der den Kindern, „wenn er mal richtig aufwacht, die süßen Gesichter wegfetzen wird“.

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„Es ist keine Schande, ein Opfer zu sein. Aber eine Schande ist es, zum Täter zu werden. Und Worte sind Taten. Wer jemand anderen ein ‚Opfer’ nennt, ist ein Täter – und macht sich ironischerweise selbst doch nur zum ‘Opfer’ der asozialen Umstände, die sein Denken beherrschen. Er oder sie entlarvt sich selbst. Solcher Denke sollten wir uns nicht verschreiben.“ (Ronald Rupp, Versetzung, 1. Szene)

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Der Autor Thomas Melle, geboren 1975, schreibt aus Erfahrung, er leidet selbst an der manischdepressiven Erkrankung, auch bipolare Störung genannt. In seinem autobiographischen Roman Die Welt im Rücken beschreibt er ein vom permanenten Ausnahmezustand bestimmtes Leben, das mit „himmelhoch jauchzend, zu Tode betrübt“ nur unzureichend umschrieben wäre.

Die Inszenierung von Max Claessen, Jahrgang 1978, interessiert vor allem, wie Melle mit Versetzung das Krankheitsbild manische Depression zur Metapher für eine Gesellschaft im Ausnahmezustand werden lässt.

» Es ist einfach hochdramatisch, wenn einer sich selbst verliert, wenn er austickt und seinem Alltag, seiner Umgebung ungewollt den Krieg erklärt. Und am Abnormalen, an der Abweichung zeigt sich die Norm noch einmal viel schärfer, ihre Mechanismen, ihre Zurichtungen, ihre Ausschlüsse, ihr Glück und ihr Unglück. Thomas Melle über Versetzung , Interview mit Peter Laudenbach in tip berlin

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Je suis un pays

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VINCENT MACAIGNE [FR]
Je suis un pays est un cauchemar qui tient autant de la série Z, du film gore que de la comédie. Nous sommes après la fête, après la joie, dans la comédie burlesque et tragique d’une jeunesse évanouie... face à un futur à inventer.

Une catastrophe a eu lieu, terrible, dévastatrice.

La vie humaine en a été définitivement bouleversée. Nouvelles royautés, nouvelles industries. Toute puissance de la publicité et des divertissements. Les humains se cherchent des raisons d’être, se fantasment des origines, attendent un Sauveur et s’abandonnent à leurs instincts, fussent-ils destructeurs, et cela dans un monde bâti sur les ruines fumantes d’un passé refoulé et d’une société stérile.

Tel est le tremplin sur lequel va rebondir le théâtre multiplié de Vincent Macaigne, dans un délire scénographique aussi fou qu’absolument maîtrisé. Boue, explosions, tohu-bohu, saturation sonore, sang, parodies, apparitions-disparitions, effondrements.

Le théâtre de Macaigne est un théâtre puissant, vif et destructeur. Sa vivacité, sa violence pour ne pas dire sa cruauté tiennent autant de la rage que de l’euphorie, de l’amour que du désespoir, de la tendresse que du refus inconditionnel. Il ne cherche pas la solution, il cherche la vitalité. Il ne cherche pas l’absolution ou la conviction, il cherche à rester en vie et à dépasser l’idée par l’action, à transformer l’analyse en action collective. Il ne s’agit pas de plaire ni même de convaincre, mais de mettre en mouvement. C’est un théâtre du réveil, du sursaut, qui s’inscrit dans la suite d’un Meyerhold pour qui l’acteur était l’ouvriercatalyseur de l’énergie vitale qui devait sortir le spectateur de ses pulsions tristes, d’un Artaud dont la cruauté était une haute exigence face à la vie contre toutes les formes de coercition ou d’un Castorf dans l’énergie mise à déconstruire les structures de pouvoir et à dénoncer les lâchetés. Un théâtre qui avance droit, sans peur, sans honte, sans retenue, tout entier accompli dans sa puissance libérée.

» C’est là que l’on retrouve la marque du metteur en scène: faire tout exploser, nous noyer dans des lumières et des sons déments (d’où les bouchons d’oreilles distribués à l’entrée), nous envahir de mots, et, pour finir, nous toucher par la tendresse, oui, la tendresse qui toujours déchire ses spectacles. [...] Les genres se catapultent, une génération crie ses tiraillements, mais le désir est là, il éclate, au même titre que le désespoir dans la débauche du «trop» et s’incarne dans des comédiens engagés jusqu’au bout, en particulier l’exceptionnelle Candice Bouchet.  Le Monde, Brigitte Salino
» Libérant les corps dans des danses affolées, noyant les fantômes tyranniques des puissants du Prince Charles au Président Trump) dans des mares de sang et d’eau, projetant sur scène des avalanches de terre et de détritus, avant d’inviter les spectateurs à envahir le plateau pour boire une bière [...], Macaigne n’en fait jamais trop. Car rien n’est trop pour susciter tout.  Artpress, Emmanuel Daydé

[DIS]
Avec Sharif Andoura, Candice Bouchet, Pauline Lorillard, Vimala Pons, Rodolphe Poulain, Hedi Zada & l’enfant
Avec la participation vidéo de Matthieu Jaccard & Eric Vautrin Texte, mise en scène, conception scénographique, visuelle & sonore Vincent Macaigne
Scénographie Julien Peissel
Accessoires Lucie Basclet
Costumes Camille Aït Allouache
Collaboration lumière Matthieu Wilmart
Collaboration son Charlotte Constant
Collaboration vidéo Oliver Vulliamy
Avec des compositions musicales de Nova Materia (Caroline Chaspoul, Eduardo Henriquez)
Production & technique Théâtre Vidy-Lausanne
Construction des décors Ateliers du Théâtre Vidy-Lausanne Administration
Compagnie Friche 22.66 Alter Machine Production Théâtre Vidy-Lausanne; Cie Friche 22.66
Coproduction Nanterre-Amandiers – centre dramatique national; Festival d’Automne à Paris; Théâtre National de Bretagne (Rennes); La Colline-Théâtre national (Paris); Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Théâtre national de Strasbourg; Holland Festival (Amsterdam); La Filature – Scène Nationale (Mulhouse); TANDEM – Scène Nationale; Théâtre de l’Archipel-Scène Nationale de Perpignan; CDN Orléans/Loiret/Centre; Bonlieu Scène Nationale Annecy & La Bâtie-Festival de Genève
dans le cadre du soutien FEDER du programme Interreg France-Suisse 2014-2020 Remerciements Théâtre de la Ville-Paris; La Villette (Paris); Le Parvis-Scène Nationale Tarbes-Pyrénées; Théâtre Ouvert-Centre National des Dramaturgies Contemporaines
Avec le soutien de la Région Île-de-France et la participation artistique du Jeune théâtre national Création le 14 septembre 2017 au Théâtre Vidy-Lausanne avec les équipes de production, technique, communication et administration du Théâtre Vidy-Lausanne
La Compagnie Friche 22.66 est soutenue par la DGCA – Ministère de la Culture et de la Communication (FR) au titre de Compagnie nationale.
Vendredi 9  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 10  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)

DURÉE environ 3h00 & entracte

Introduction à la pièce par Monsieur Marc Rettel 1/2 heure à 19h30 (en français).
Adultes 25 €, 20 €, 15 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle réduite 
[TICKETS]2018-11-09 20:00:00 25395+2018-11-10 20:00:00 25396


Média

Lieu

Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg
1 Rond-point Schuman
2525 LUXEMBOURG
Luxembourg

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Je suis un pays

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Je suis un pays

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VINCENT MACAIGNE [FR]
Je suis un pays est un cauchemar qui tient autant de la série Z, du film gore que de la comédie. Nous sommes après la fête, après la joie, dans la comédie burlesque et tragique d’une jeunesse évanouie... face à un futur à inventer.

Une catastrophe a eu lieu, terrible, dévastatrice.

La vie humaine en a été définitivement bouleversée. Nouvelles royautés, nouvelles industries. Toute puissance de la publicité et des divertissements. Les humains se cherchent des raisons d’être, se fantasment des origines, attendent un Sauveur et s’abandonnent à leurs instincts, fussent-ils destructeurs, et cela dans un monde bâti sur les ruines fumantes d’un passé refoulé et d’une société stérile.

Tel est le tremplin sur lequel va rebondir le théâtre multiplié de Vincent Macaigne, dans un délire scénographique aussi fou qu’absolument maîtrisé. Boue, explosions, tohu-bohu, saturation sonore, sang, parodies, apparitions-disparitions, effondrements.

Le théâtre de Macaigne est un théâtre puissant, vif et destructeur. Sa vivacité, sa violence pour ne pas dire sa cruauté tiennent autant de la rage que de l’euphorie, de l’amour que du désespoir, de la tendresse que du refus inconditionnel. Il ne cherche pas la solution, il cherche la vitalité. Il ne cherche pas l’absolution ou la conviction, il cherche à rester en vie et à dépasser l’idée par l’action, à transformer l’analyse en action collective. Il ne s’agit pas de plaire ni même de convaincre, mais de mettre en mouvement. C’est un théâtre du réveil, du sursaut, qui s’inscrit dans la suite d’un Meyerhold pour qui l’acteur était l’ouvriercatalyseur de l’énergie vitale qui devait sortir le spectateur de ses pulsions tristes, d’un Artaud dont la cruauté était une haute exigence face à la vie contre toutes les formes de coercition ou d’un Castorf dans l’énergie mise à déconstruire les structures de pouvoir et à dénoncer les lâchetés. Un théâtre qui avance droit, sans peur, sans honte, sans retenue, tout entier accompli dans sa puissance libérée.

» C’est là que l’on retrouve la marque du metteur en scène: faire tout exploser, nous noyer dans des lumières et des sons déments (d’où les bouchons d’oreilles distribués à l’entrée), nous envahir de mots, et, pour finir, nous toucher par la tendresse, oui, la tendresse qui toujours déchire ses spectacles. [...] Les genres se catapultent, une génération crie ses tiraillements, mais le désir est là, il éclate, au même titre que le désespoir dans la débauche du «trop» et s’incarne dans des comédiens engagés jusqu’au bout, en particulier l’exceptionnelle Candice Bouchet.  Le Monde, Brigitte Salino
» Libérant les corps dans des danses affolées, noyant les fantômes tyranniques des puissants du Prince Charles au Président Trump) dans des mares de sang et d’eau, projetant sur scène des avalanches de terre et de détritus, avant d’inviter les spectateurs à envahir le plateau pour boire une bière [...], Macaigne n’en fait jamais trop. Car rien n’est trop pour susciter tout.  Artpress, Emmanuel Daydé

[DIS]
Avec Sharif Andoura, Candice Bouchet, Pauline Lorillard, Vimala Pons, Rodolphe Poulain, Hedi Zada & l’enfant
Avec la participation vidéo de Matthieu Jaccard & Eric Vautrin Texte, mise en scène, conception scénographique, visuelle & sonore Vincent Macaigne
Scénographie Julien Peissel
Accessoires Lucie Basclet
Costumes Camille Aït Allouache
Collaboration lumière Matthieu Wilmart
Collaboration son Charlotte Constant
Collaboration vidéo Oliver Vulliamy
Avec des compositions musicales de Nova Materia (Caroline Chaspoul, Eduardo Henriquez)
Production & technique Théâtre Vidy-Lausanne
Construction des décors Ateliers du Théâtre Vidy-Lausanne Administration
Compagnie Friche 22.66 Alter Machine Production Théâtre Vidy-Lausanne; Cie Friche 22.66
Coproduction Nanterre-Amandiers – centre dramatique national; Festival d’Automne à Paris; Théâtre National de Bretagne (Rennes); La Colline-Théâtre national (Paris); Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Théâtre national de Strasbourg; Holland Festival (Amsterdam); La Filature – Scène Nationale (Mulhouse); TANDEM – Scène Nationale; Théâtre de l’Archipel-Scène Nationale de Perpignan; CDN Orléans/Loiret/Centre; Bonlieu Scène Nationale Annecy & La Bâtie-Festival de Genève
dans le cadre du soutien FEDER du programme Interreg France-Suisse 2014-2020 Remerciements Théâtre de la Ville-Paris; La Villette (Paris); Le Parvis-Scène Nationale Tarbes-Pyrénées; Théâtre Ouvert-Centre National des Dramaturgies Contemporaines
Avec le soutien de la Région Île-de-France et la participation artistique du Jeune théâtre national Création le 14 septembre 2017 au Théâtre Vidy-Lausanne avec les équipes de production, technique, communication et administration du Théâtre Vidy-Lausanne
La Compagnie Friche 22.66 est soutenue par la DGCA – Ministère de la Culture et de la Communication (FR) au titre de Compagnie nationale.
Vendredi 9  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Samedi 10  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)

DURÉE environ 3h00 & entracte

Introduction à la pièce par Monsieur Marc Rettel 1/2 heure à 19h30 (en français).
Adultes 25 €, 20 €, 15 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle réduite 
[TICKETS]2018-11-09 20:00:00 25395+2018-11-10 20:00:00 25396

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Voilà ce que jamais je ne te dirai

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Voilà ce que jamais je ne te dirai

Date(s)

VINCENT MACAIGNE [FR]
En une représentation d’abord parallèle à celle de Je suis un pays, avec d’autres spectateurs, Voilà ce que jamais je ne te dirai est une expérience théâtrale qui se construit autour de la vidéo-conférence de l’un des grands spécialistes de l’art. Ulrich von Sidow introduit cette performance et pose une question, qui est l’un des points de départ de Je suis un pays : l’art peut-il sauver le monde? Il interroge les relations entre art et pouvoir, identité de l’artiste et trouble de la création. Ensuite, devenant eux-mêmes acteurs, les spectateurs de Voilà ce que jamais je ne te dirai vont trouver une place inattendue dans la dernière heure du déferlement de la représentation en cours de Je suis un pays.

» Il suffit de savoir que Voilà ce que jamais je ne te dirai commence dans une petite salle où est projeté un film avec un performeur finlandais, Ulrich von Sidow, [...] qui dialogue sur l’art avec un journaliste. À un moment, le film est interrompu par quelqu’un qui dit aux spectateurs vêtus de leurs combinaisons: «Il y a eu une catastrophe, vous êtes les derniers survivants, venez.» C’est ainsi qu’un cortège post-atomique entre dans la salle où se joue Je suis un pays .  Le Monde, Brigitte Salino
Attention: Vous ne pouvez pas voir le même soir Je suis un pays et Voilà ce que jamais je ne te dirai.

[DIS]
 Vendredi 9  NOVEMBRE 2018 à 22h00 (tickets)
Samedi 10  NOVEMBRE 2018 à 22 h00 (tickets)
DURÉE environ 1h00
Tarif unique 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Foyer
[TICKETS]2018-11-09 22:00:00 25399+2018-11-10 22:00:00 25398

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VINCENT MACAIGNE [FR]
En une représentation d’abord parallèle à celle de Je suis un pays, avec d’autres spectateurs, Voilà ce que jamais je ne te dirai est une expérience théâtrale qui se construit autour de la vidéo-conférence de l’un des grands spécialistes de l’art. Ulrich von Sidow introduit cette performance et pose une question, qui est l’un des points de départ de Je suis un pays : l’art peut-il sauver le monde? Il interroge les relations entre art et pouvoir, identité de l’artiste et trouble de la création. Ensuite, devenant eux-mêmes acteurs, les spectateurs de Voilà ce que jamais je ne te dirai vont trouver une place inattendue dans la dernière heure du déferlement de la représentation en cours de Je suis un pays.

» Il suffit de savoir que Voilà ce que jamais je ne te dirai commence dans une petite salle où est projeté un film avec un performeur finlandais, Ulrich von Sidow, [...] qui dialogue sur l’art avec un journaliste. À un moment, le film est interrompu par quelqu’un qui dit aux spectateurs vêtus de leurs combinaisons: «Il y a eu une catastrophe, vous êtes les derniers survivants, venez.» C’est ainsi qu’un cortège post-atomique entre dans la salle où se joue Je suis un pays .  Le Monde, Brigitte Salino
Attention: Vous ne pouvez pas voir le même soir Je suis un pays et Voilà ce que jamais je ne te dirai.

[DIS]
 Vendredi 9  NOVEMBRE 2018 à 22h00 (tickets)
Samedi 10  NOVEMBRE 2018 à 22 h00 (tickets)
DURÉE environ 1h00
Tarif unique 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Foyer
[TICKETS]2018-11-09 22:00:00 25399+2018-11-10 22:00:00 25398

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Andrew Skeels

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FINDING NOW
AVEC 5 INTERPRÈTES [FR]
C’est un original et beau parcours que celui d’Andrew Skeels, successivement – et chaque fois avec talent – danseur de hip hop, danseur de boîte de nuit et danseur classique dans les monuments du répertoire.

Finding Now croise danse hip hop et musique baroque. Andrew Skeels y donne à voir comment la danse, cet art de la fugacité, nous confronte, dans un sentiment d’immédiateté, à l’instant présent, à l’«ici et maintenant», cet éphémère miraculeux où les éléments entrent en résonance et conduisent à l’indicible.

Pour ce projet, Andrew Skeels s’est entouré de cinq danseurs, cinq artistes charismatiques et passionnés, désireux de faire exister et de partager leur singularité et leur technique spécifique (house, popping, break, contemporain…) avec la volonté de mettre en valeur les particularités de chaque style tout en sauvegardant l’unité du groupe. Hip hop et perfection technique peuvent rimer avec tension et relâchement, délicatesse et intimité, équilibre et fragilité.

Finding Now est aussi une opportunité pour le chorégraphe de continuer à explorer la façon dont images et improvisations nourrissent son processus de création, et comment un sujet complexe et multiple trouve sa juste traduction dans une forme chorégraphique.

» Ode à l’instant présent, à l’éphémère, au geste qui surgit comme un élan vital, ce nouvel opus confronte l’écriture sophistiquée et délicate du chorégraphe américain et la virtuosité de deux danseuses et trois danseurs hip hop charismatiques.  La Terrasse, Delphine Baffour

[EN] In Finding Now , which blends hip-hop dance and baroque music, American choreographer Andrew Skeels focuses on the feeling of immediacy, the here and now; the miraculous moment when the elements resonate and lead to the indescribable. The five hip-hop dancers selected – three male and two female – specialise in breakdance and stand-up techniques. Honing the choreographer’s demanding moves, they prove that hip-hop and technical perfection can be synonymous with tension and relaxation, delicateness and intimacy, balance and fragility.
[DE]
Hip Hop und Barock – diese ungewöhnliche Verbindung präsentiert der aus Boston stammende und in Montréal lebende Choreograph Andrew Skeels. Ausgangspunkte für Finding Now sind das Nachdenken über die Vergangenheit und die Idee einer Reise in die Zukunft. Am meisten interessiert Skeels jedoch die Gegenwart, das Hier und Jetzt, die Unvermitteltheit des Augenblicks. Auf die Suche danach begeben sich drei Tänzer und zwei Tänzerinnen zu Musik unter anderem von Bach, Händel und Vivaldi. Im Mittelpunkt steht dabei die Frage nach der Zeit, die in der Bewegung gedehnt oder gerafft wird.

[DIS]
Chorégraphie Andrew Skeels Avec Mellina Boubetra, Hugo Ciona, Noémie Ettlin, Tom Guichard, Nicolas Grosclaude Sur des musiques baroques de Jean-Sébastien Bach, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti... Lumière Alain Paradis
Costumes Xavier Ronze Commande & production Théâtre de Suresnes Jean Vilar / Suresnes cités danse 2018
Avec le soutien de Cités danse connexions Mardi 13  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Mercredi 14  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)

DURÉE 1h00 (pas d'entracte)Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Studio
[TICKETS]2018-11-13 20:00:00 25400+2018-11-14 20:00:00 25650

Média

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Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg
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DAVID FOSTER WALLACE

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(Cet événement n'a pas de description en français)

„Witze sind die Flaschenpost, mit der die Verzweifelten ihre gellendsten Hilfeschreie aussenden.“ (David Foster Wallace)

Mit der Inszenierung des 1.500-Seiten starken Werks Unendlicher Spaß von David Foster Wallace stellt sich Regisseur Thorsten Lensing erfolgreich einer Mammut-Aufgabe. Die Dramaturgie übernimmt der junge luxemburgische Regisseur Thierry Mousset, der auch an der Textfassung mitgearbeitet hat. Einen Teil des hochkarätigen Theaterteams, das sich um Lensing scharrt, kennt das Luxemburger Publikum bereits aus den Inszenierungen Onkel Wanja (2012), Der Kirschgarten (2015) und Karamasow (2016). Devid Striesow, Sebastian Blomberg und Ursina Lardi sind wieder dabei. Ebenso der Luxemburger Schauspieler André Jung, der in Karamasow „mit so viel Würde, dass es einem fast das Herz bricht“ (Süddeutsche Zeitung) in die ungewöhnliche Rolle eines Hundes schlüpfte.

1996 erschien Unendlicher Spaß (Infinite Jest) in den USA. Es ist der Versuch, auf 1.500 Seiten die gegenwärtige
Welt zu erzählen, ohne sie einer einheitlichen Deutung zu unterwerfen. „Ich will darüber schreiben“, hat Wallace sein Vorhaben charakterisiert, „wie es sich anfühlt, heute zu leben, statt davon abzulenken“. Er schreibt deshalb über Geburten und Todeskämpfe, über Liebes- und Trennungsgeschichten, übertriebenen Speichelfluss, bildschöne Krankenschwestern und Vögel, die mitten im Flug einen Herzinfarkt erleiden.

Wallace widmet sich seinen so tragischen wie komischen Figuren dabei mit großer Ernsthaftigkeit und einer ungeheuren Leichtigkeit zugleich. Alle stehen sie schutzlos vor ihrem Leben. Einige leiden unter Depressionen, einige unter Alkohol-, Sex- oder Schmerzmittelsucht, viele sind einem unerbittlichen Leistungszwang ausgesetzt und „werden gepanikt“ von Sorgen. Doch sie geben nie auf, kämpfen gegen das dauernde Gefühl, „in einer dunklen Innenwelt zu stecken, beschämt, verirrt und eingesperrt“.

» Ein kluger, tiefer, aber auch sehr lustiger Theaterabend in den Berliner Sophiensælen beginnt und endet mit markerschütterndem Gesang, der ins Nichts ruft. [...] So wie der Schriftsteller, der sich 2008 mit 46 Jahren das Leben nahm, die Virtuosität des Formulierens in garstige Höhen treibt, so spielen sie hier auch. Devid Striesow und Sebastian Blomberg mit irrsinnig komischer und böser Verstellspielplumpheit, André Jung mit locker aus dem Herzen gerissener Güte, Ursina Lardi mit ihrer nicht leicht aushaltbaren, athletischen Verwandlungsstrenge und Jasna Fritzi Bauer sowie Heiko Pinkowski mit kühner Purheit. [...] Das ist hohe Theaterkunst, [...]. Frankfurter Rundschau, Ulrich Seidler

» Diesen Kampf mit den Abhängigkeiten und Beschädigungen, dieses Ringen um Sinn und Erlösung exerziert Thorsten Lensing in vier fast rundweg fesselnden Stunden. Mit einem phantastischen Ensemble, dessen teils grell divergente Spielstile sich zu einem Ganzen fügen. Und nicht zuletzt mit Gespür für die existenziell verzweifelte Komik der Vorlage. Ein dunkler Spaß.  Der Tagesspiegel, Patrick Wildermann

» André Jungs Mario ist so liebenswert und von solcher Zartheit, dass man seufzt vor Freude (Die Figur ist ein naher Verwandter des wunderbaren Hundes aus Karamasow , der für alle Zeit im Theaterhimmel weiterlebt). nachtkritik.de, Gabi Hift

» Man muss sich den Regisseur Thorsten Lensing als einen großen Menschenfreund vorstellen. Anders ist dieser außergewöhnliche Theaterabend kaum zu erklären. Wobei Menschenfreund eigentlich zu kurz greift: Es ist eher eine Universalliebe, die auch Tiere mit einschließt. Die möchte man auch den Schauspielern unterstellen. Denn wie sie dauerkiffende Tennis-Asse, ehemalige Gangster, Vögel, Katzen, Katzenquäler, koksende Footballstars, hil ? ose Väter und körperlich behinderte Filmemacher spielen, ist von seltener Tiefe. Und oft zum Kaputtlachen. [...] Plötzlich weiß man wieder, warum Menschen auf Bühnen stehen, und andere Menschen sich das angucken: weil es nichts Tröstlicheres gibt, als sich in aller Unzulänglichkeit gespiegelt zu ? nden. Süddeutsche Zeitung, Mounia Meiborg

Mit Jasna Fritzi Bauer, Sebastian Blomberg, André Jung, Ursina Lardi, Heiko Pinkowski & Devid Striesow Regie Thorsten Lensing
Mitarbeit Regie Benjamin Eggers-Domsky Bühne Gordian Blumenthal & Ramun Capaul
Kostüme Anette Guther Textfassung Thorsten Lensing
Mitarbeit Textfassung Thierry Mousset, Dirk Pilz
Dramaturgie Thierry Mousset
Produktionsleitung Eva-Karen Tittmann
Leitung Herstellung Bühne Martina Schulle
Technische Leitung Dirk Lutz
Regieassistenz Lucie Grünbeck
Kostümassistenz Marie Fischer
Maske Hannah Kaiser
Video Marc Stephan Produktion Thorsten Lensing
Koproduktion Schauspiel Stuttgart; Schauspielhaus Zürich; Ruhrfestspiele Recklinghausen; Sophiensæle Berlin; Kampnagel Internationale Kulturfabrik Hamburg; Theater im Pumpenhaus Münster; HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste; Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt/Main & Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds Berlin und der Stadt Münster Aufführungsrechte beim Rowohlt Theater Verlag, Reinbek bei Hamburg Jeudi 15  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
Vendredi 16  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
Samedi 17  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
DURÉE environ 3h50 & entracte Einführung zum Stück von Frau Simone Beck 1/2 Stunde vor jeder Vorstellung (in Deutsch).
Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Arrière-scène

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DAVID FOSTER WALLACE

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„Witze sind die Flaschenpost, mit der die Verzweifelten ihre gellendsten Hilfeschreie aussenden.“ (David Foster Wallace)

Mit der Inszenierung des 1.500-Seiten starken Werks Unendlicher Spaß von David Foster Wallace stellt sich Regisseur Thorsten Lensing erfolgreich einer Mammut-Aufgabe. Die Dramaturgie übernimmt der junge luxemburgische Regisseur Thierry Mousset, der auch an der Textfassung mitgearbeitet hat. Einen Teil des hochkarätigen Theaterteams, das sich um Lensing scharrt, kennt das Luxemburger Publikum bereits aus den Inszenierungen Onkel Wanja (2012), Der Kirschgarten (2015) und Karamasow (2016). Devid Striesow, Sebastian Blomberg und Ursina Lardi sind wieder dabei. Ebenso der Luxemburger Schauspieler André Jung, der in Karamasow „mit so viel Würde, dass es einem fast das Herz bricht“ (Süddeutsche Zeitung) in die ungewöhnliche Rolle eines Hundes schlüpfte.

1996 erschien Unendlicher Spaß (Infinite Jest) in den USA. Es ist der Versuch, auf 1.500 Seiten die gegenwärtige
Welt zu erzählen, ohne sie einer einheitlichen Deutung zu unterwerfen. „Ich will darüber schreiben“, hat Wallace sein Vorhaben charakterisiert, „wie es sich anfühlt, heute zu leben, statt davon abzulenken“. Er schreibt deshalb über Geburten und Todeskämpfe, über Liebes- und Trennungsgeschichten, übertriebenen Speichelfluss, bildschöne Krankenschwestern und Vögel, die mitten im Flug einen Herzinfarkt erleiden.

Wallace widmet sich seinen so tragischen wie komischen Figuren dabei mit großer Ernsthaftigkeit und einer ungeheuren Leichtigkeit zugleich. Alle stehen sie schutzlos vor ihrem Leben. Einige leiden unter Depressionen, einige unter Alkohol-, Sex- oder Schmerzmittelsucht, viele sind einem unerbittlichen Leistungszwang ausgesetzt und „werden gepanikt“ von Sorgen. Doch sie geben nie auf, kämpfen gegen das dauernde Gefühl, „in einer dunklen Innenwelt zu stecken, beschämt, verirrt und eingesperrt“.

» Ein kluger, tiefer, aber auch sehr lustiger Theaterabend in den Berliner Sophiensælen beginnt und endet mit markerschütterndem Gesang, der ins Nichts ruft. [...] So wie der Schriftsteller, der sich 2008 mit 46 Jahren das Leben nahm, die Virtuosität des Formulierens in garstige Höhen treibt, so spielen sie hier auch. Devid Striesow und Sebastian Blomberg mit irrsinnig komischer und böser Verstellspielplumpheit, André Jung mit locker aus dem Herzen gerissener Güte, Ursina Lardi mit ihrer nicht leicht aushaltbaren, athletischen Verwandlungsstrenge und Jasna Fritzi Bauer sowie Heiko Pinkowski mit kühner Purheit. [...] Das ist hohe Theaterkunst, [...]. Frankfurter Rundschau, Ulrich Seidler

» Diesen Kampf mit den Abhängigkeiten und Beschädigungen, dieses Ringen um Sinn und Erlösung exerziert Thorsten Lensing in vier fast rundweg fesselnden Stunden. Mit einem phantastischen Ensemble, dessen teils grell divergente Spielstile sich zu einem Ganzen fügen. Und nicht zuletzt mit Gespür für die existenziell verzweifelte Komik der Vorlage. Ein dunkler Spaß.  Der Tagesspiegel, Patrick Wildermann

» André Jungs Mario ist so liebenswert und von solcher Zartheit, dass man seufzt vor Freude (Die Figur ist ein naher Verwandter des wunderbaren Hundes aus Karamasow , der für alle Zeit im Theaterhimmel weiterlebt). nachtkritik.de, Gabi Hift

» Man muss sich den Regisseur Thorsten Lensing als einen großen Menschenfreund vorstellen. Anders ist dieser außergewöhnliche Theaterabend kaum zu erklären. Wobei Menschenfreund eigentlich zu kurz greift: Es ist eher eine Universalliebe, die auch Tiere mit einschließt. Die möchte man auch den Schauspielern unterstellen. Denn wie sie dauerkiffende Tennis-Asse, ehemalige Gangster, Vögel, Katzen, Katzenquäler, koksende Footballstars, hil ? ose Väter und körperlich behinderte Filmemacher spielen, ist von seltener Tiefe. Und oft zum Kaputtlachen. [...] Plötzlich weiß man wieder, warum Menschen auf Bühnen stehen, und andere Menschen sich das angucken: weil es nichts Tröstlicheres gibt, als sich in aller Unzulänglichkeit gespiegelt zu ? nden. Süddeutsche Zeitung, Mounia Meiborg

Mit Jasna Fritzi Bauer, Sebastian Blomberg, André Jung, Ursina Lardi, Heiko Pinkowski & Devid Striesow Regie Thorsten Lensing
Mitarbeit Regie Benjamin Eggers-Domsky Bühne Gordian Blumenthal & Ramun Capaul
Kostüme Anette Guther Textfassung Thorsten Lensing
Mitarbeit Textfassung Thierry Mousset, Dirk Pilz
Dramaturgie Thierry Mousset
Produktionsleitung Eva-Karen Tittmann
Leitung Herstellung Bühne Martina Schulle
Technische Leitung Dirk Lutz
Regieassistenz Lucie Grünbeck
Kostümassistenz Marie Fischer
Maske Hannah Kaiser
Video Marc Stephan Produktion Thorsten Lensing
Koproduktion Schauspiel Stuttgart; Schauspielhaus Zürich; Ruhrfestspiele Recklinghausen; Sophiensæle Berlin; Kampnagel Internationale Kulturfabrik Hamburg; Theater im Pumpenhaus Münster; HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste; Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt/Main & Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds Berlin und der Stadt Münster Aufführungsrechte beim Rowohlt Theater Verlag, Reinbek bei Hamburg Jeudi 15  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
Vendredi 16  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
Samedi 17  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
DURÉE environ 3h50 & entracte Einführung zum Stück von Frau Simone Beck 1/2 Stunde vor jeder Vorstellung (in Deutsch).
Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
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DAVID FOSTER WALLACE

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„Witze sind die Flaschenpost, mit der die Verzweifelten ihre gellendsten Hilfeschreie aussenden.“ (David Foster Wallace)

Mit der Inszenierung des 1.500-Seiten starken Werks Unendlicher Spaß von David Foster Wallace stellt sich Regisseur Thorsten Lensing erfolgreich einer Mammut-Aufgabe. Die Dramaturgie übernimmt der junge luxemburgische Regisseur Thierry Mousset, der auch an der Textfassung mitgearbeitet hat. Einen Teil des hochkarätigen Theaterteams, das sich um Lensing scharrt, kennt das Luxemburger Publikum bereits aus den Inszenierungen Onkel Wanja (2012), Der Kirschgarten (2015) und Karamasow (2016). Devid Striesow, Sebastian Blomberg und Ursina Lardi sind wieder dabei. Ebenso der Luxemburger Schauspieler André Jung, der in Karamasow „mit so viel Würde, dass es einem fast das Herz bricht“ (Süddeutsche Zeitung) in die ungewöhnliche Rolle eines Hundes schlüpfte.

1996 erschien Unendlicher Spaß (Infinite Jest) in den USA. Es ist der Versuch, auf 1.500 Seiten die gegenwärtige
Welt zu erzählen, ohne sie einer einheitlichen Deutung zu unterwerfen. „Ich will darüber schreiben“, hat Wallace sein Vorhaben charakterisiert, „wie es sich anfühlt, heute zu leben, statt davon abzulenken“. Er schreibt deshalb über Geburten und Todeskämpfe, über Liebes- und Trennungsgeschichten, übertriebenen Speichelfluss, bildschöne Krankenschwestern und Vögel, die mitten im Flug einen Herzinfarkt erleiden.

Wallace widmet sich seinen so tragischen wie komischen Figuren dabei mit großer Ernsthaftigkeit und einer ungeheuren Leichtigkeit zugleich. Alle stehen sie schutzlos vor ihrem Leben. Einige leiden unter Depressionen, einige unter Alkohol-, Sex- oder Schmerzmittelsucht, viele sind einem unerbittlichen Leistungszwang ausgesetzt und „werden gepanikt“ von Sorgen. Doch sie geben nie auf, kämpfen gegen das dauernde Gefühl, „in einer dunklen Innenwelt zu stecken, beschämt, verirrt und eingesperrt“.

» Ein kluger, tiefer, aber auch sehr lustiger Theaterabend in den Berliner Sophiensælen beginnt und endet mit markerschütterndem Gesang, der ins Nichts ruft. [...] So wie der Schriftsteller, der sich 2008 mit 46 Jahren das Leben nahm, die Virtuosität des Formulierens in garstige Höhen treibt, so spielen sie hier auch. Devid Striesow und Sebastian Blomberg mit irrsinnig komischer und böser Verstellspielplumpheit, André Jung mit locker aus dem Herzen gerissener Güte, Ursina Lardi mit ihrer nicht leicht aushaltbaren, athletischen Verwandlungsstrenge und Jasna Fritzi Bauer sowie Heiko Pinkowski mit kühner Purheit. [...] Das ist hohe Theaterkunst, [...]. Frankfurter Rundschau, Ulrich Seidler

» Diesen Kampf mit den Abhängigkeiten und Beschädigungen, dieses Ringen um Sinn und Erlösung exerziert Thorsten Lensing in vier fast rundweg fesselnden Stunden. Mit einem phantastischen Ensemble, dessen teils grell divergente Spielstile sich zu einem Ganzen fügen. Und nicht zuletzt mit Gespür für die existenziell verzweifelte Komik der Vorlage. Ein dunkler Spaß.  Der Tagesspiegel, Patrick Wildermann

» André Jungs Mario ist so liebenswert und von solcher Zartheit, dass man seufzt vor Freude (Die Figur ist ein naher Verwandter des wunderbaren Hundes aus Karamasow , der für alle Zeit im Theaterhimmel weiterlebt). nachtkritik.de, Gabi Hift

» Man muss sich den Regisseur Thorsten Lensing als einen großen Menschenfreund vorstellen. Anders ist dieser außergewöhnliche Theaterabend kaum zu erklären. Wobei Menschenfreund eigentlich zu kurz greift: Es ist eher eine Universalliebe, die auch Tiere mit einschließt. Die möchte man auch den Schauspielern unterstellen. Denn wie sie dauerkiffende Tennis-Asse, ehemalige Gangster, Vögel, Katzen, Katzenquäler, koksende Footballstars, hil ? ose Väter und körperlich behinderte Filmemacher spielen, ist von seltener Tiefe. Und oft zum Kaputtlachen. [...] Plötzlich weiß man wieder, warum Menschen auf Bühnen stehen, und andere Menschen sich das angucken: weil es nichts Tröstlicheres gibt, als sich in aller Unzulänglichkeit gespiegelt zu ? nden. Süddeutsche Zeitung, Mounia Meiborg

Mit Jasna Fritzi Bauer, Sebastian Blomberg, André Jung, Ursina Lardi, Heiko Pinkowski & Devid Striesow Regie Thorsten Lensing
Mitarbeit Regie Benjamin Eggers-Domsky Bühne Gordian Blumenthal & Ramun Capaul
Kostüme Anette Guther Textfassung Thorsten Lensing
Mitarbeit Textfassung Thierry Mousset, Dirk Pilz
Dramaturgie Thierry Mousset
Produktionsleitung Eva-Karen Tittmann
Leitung Herstellung Bühne Martina Schulle
Technische Leitung Dirk Lutz
Regieassistenz Lucie Grünbeck
Kostümassistenz Marie Fischer
Maske Hannah Kaiser
Video Marc Stephan Produktion Thorsten Lensing
Koproduktion Schauspiel Stuttgart; Schauspielhaus Zürich; Ruhrfestspiele Recklinghausen; Sophiensæle Berlin; Kampnagel Internationale Kulturfabrik Hamburg; Theater im Pumpenhaus Münster; HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste; Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt/Main & Les Théâtres de la Ville de Luxembourg Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds Berlin und der Stadt Münster Aufführungsrechte beim Rowohlt Theater Verlag, Reinbek bei Hamburg Jeudi 15  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
Vendredi 16  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
Samedi 17  NOVEMBRE 2018 à 19h00 (tickets)
DURÉE environ 3h50 & entracte Einführung zum Stück von Frau Simone Beck 1/2 Stunde vor jeder Vorstellung (in Deutsch).
Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Arrière-scène

Média

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Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg
1 Rond-point Schuman
2525 LUXEMBOURG
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Opéra & comédie musicale

A Quiet Place

LEONARD BERNSTEIN (1918-1990) OPERA IN 3 ACTS LIBRETTO BY STEPHEN WADSWORTH & LEONARD BERNSTEIN WORLD PREMIERE ON JUNE 19, 1984 AT TEATRO ALLA SCALA, MILAN In English, with French & German surtitles

Date(s)


Pour le 100e anniversaire de la naissance de Leonard Bernstein, le Grand Théâtre se réjouit de présenter son opéra A Quiet Pl ace, une production de l’Opera Zuid, la seule maison d’opéra en Europe à le monter à cette occasion.

À côté de ses comédies musicales comme West Side Story et Candide , A Quiet Place est le seul opéra de Bernstein, une œuvre unique en son genre avec sa partition «cinématographique» imprégnée des influences de Broadway et du jazz.

Dans cette version finale de l’œuvre, Bernstein a inséré, en guise de deuxième acte en flash-back, une autre de ses pièces musicales en un acte: «Trouble in Tahiti».

A Quiet Place commence par un tragique accident de voiture et raconte l’histoire d’une famille américaine luttant pour se réconcilier, pardonner et accepter ses différences après la mort de Dinah, leur mère et épouse.

L’intrigue et les thèmes de l’opéra sont donc fortement enracinés dans la société américaine des fifties, mais sous cette première couche très américaine, apparaît une histoire universelle de structures familiales compliquées et de relations complexes entre parents et enfants.

Ce thème universel et son développement filmique ainsi que l’écriture musicale très accessible de Bernstein rendent A Quiet Place particulièrement adapté pour un large public. La mise en scène sera du couple souvent récompensé, Orpha Phelan et Madeleine Boyd, tandis que Karel Deseure donnera vie à la partition. Un fait remarquable: le chanteur Huub Claessens était de la première production d’Opera Zuid, il y a trente ans. Il y tenait alors le rôle du jeune Sam.

Musical Direction Karel Deseure
Direction Orpha Phelan
Set & Costume Design Madeleine Boyd
Lighting Design Matthew Haskins
Choreography & Direction assistant  Lauren Poulton
Assistant Conductor Klaas-Jan de Groot
Choirmaster Jori Klomp
Sam Huub Claessens
Dede Lisa Mostin
François Enrico Casari
Junior Michael Wilmering
Dinah Turiya Haudenhuyse
Young Sam Sebastià Peris
Jazz Trio Veerle Sanders, Jeroen De Vaal, Rick Zwart
Bill Marcel Van Dieren
Susie Maria Kowan
Funeral Director Jeroen De Vaal
Analyst Philip Sheffield
Doc Jacques Does
Mrs. Doc Mireille Capelle Orchestra philharmonie zuidnederland
Choir Theatre Choir Opera Zuid
In collaboration with Choir Academy Maastricht
Production Opera Zuid Mardi 20  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)

DURÉE  inconnue, spectacle en création
Introduction à l'opéra par  Monsieur Jérôme Wigny des   Amis de l'Opéra une demi-heure avant chaque représentation (en français)Adultes 65 €, 40 €, 25 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Grande Salle

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PATRICE THIBAUD En français L'équipe artistique vous donne rendez-vous pour une rencontre après la représentation du 23 novembre.

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Évoquer Patrice Thibaud et son complice de toujours Philippe Leygnac – rappelez-vous Fair Play, Cocorico ou Jungles – c’est immédiatement faire surgir un univers scénique original, de surprise joyeuse, un théâtre essentiellement muet, où le visage se prête à toutes les mimiques, le corps à toutes les contorsions. Les revoilà avec Welcome .

Le paradis? Nous rêvons tous d’un état où, sans entrave, nous pourrions assouvir tous nos désirs. Séjour des âmes après la mort, plage de sable fin bordée de cocotiers, hôtel all inclusive, pays aux placements off-shore, résidences sécurisées, etc.

Welcome installera une sorte de purgatoire où chaque acteur parlera de sa vie, de ses désirs, de ses regrets, de sa quête d’une vie rêvée, et essaiera de construire lui-même son petit paradis. Welcome évoquera de façon drôle, burlesque, poétique et tendre nos aspirations au bonheur et à ce petit nuage d’où, pleinement sereins, nous aimerions contempler le monde.

Mais on ne peut parler du paradis sans évoquer la mort qui pour certains, n’ouvre que sur le néant, et pour d’autres au contraire, est l’assurance d’une délivrance et d’un bonheur de l’âme éternel.

Accueilli en résidence au Grand Théâtre et incluant Marianne Bourg, une comédienne aux origines luxembourgeoises, dans la distribution, Welcome s’inscrit parfaitement dans le projet artistique des Théâtres de la Ville, cherchant à développer l’aspect collaboratif de ses coproductions. 

» La poésie et la tendresse sont au rendez-vous. Patrice Thibaud a l’art des ruptures, de l’enchaînement inattendu, de la répétition saugrenue. Et ce qui prouve la réussite du duo, ce sont les réactions instantanées du public, [...] qui va de surprise en surprise, de rire en rire.  Luxemburger Wort, Stéphane Gilbart à propos de Cocorico

Avec Patrice Thibaud, Fran Espinosa, Philippe Leygnac, Olivier Saladin, Lydie Alberto, Marianne Bourg Conception Patrice Thibaud
Co-metteurs en scène Patrice Thibaud & Jean-Michel Guérin
Musique Philippe Leygnac
Chorégraphies Fran Espinosa & Joëlle Iffrig
Scénographie Claudine Bertomeu
Costumes Isabelle Beaudouin
Lumières Alain Paradis
Vidéo Franck Lacourt
Dramaturge / assistante à la mise en scène Marie Duret-Pujol Production Théâtre de Nîmes – Scène Conventionnée d’Intérêt National – danse contemporaine – art et création
Coproduction Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Biennale de Lyon 2018; Chaillot – Théâtre national de la Danse; Espace Jean Legendre Compiègne; Château Rouge – scène conventionnée d’Annemasse; L’Odyssée – Scène conventionnée de Périgueux – Institut national des Arts du Mime et du Geste & le Théâtre Georges-Leygues de Villeneuve-sur-Lot; Thaleia production Accueil en résidence Chaillot – Théâtre national de la Danse; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Théâtre de Nîmes Création le 14 septembre 2018 – Biennale de Lyon
Patrice Thibaud est artiste associé au Théâtre de Nîmes – Scène conventionnée d’intérêt national – danse contemporaine – art et création. Le Théâtre de Nîmes est subventionné par la Ville de Nîmes, le Ministère de la Culture et de la Communication – Direction Régionale des Affaires Culturelles Occitanie, le Département du Gard et la Région Occitanie Pyrénées Méditerranée.
Mercredi 21  NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Jeudi 22 NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Vendredi 23 NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
DURÉE environ 1h20
Introduction à la pièce par Monsieur Marc Rettel une demi-heure avant chaque représentation (en français)
Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu
Lieu: Grand Théâtre / Studio

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Évoquer Patrice Thibaud et son complice de toujours Philippe Leygnac – rappelez-vous Fair Play, Cocorico ou Jungles – c’est immédiatement faire surgir un univers scénique original, de surprise joyeuse, un théâtre essentiellement muet, où le visage se prête à toutes les mimiques, le corps à toutes les contorsions. Les revoilà avec Welcome .

Le paradis? Nous rêvons tous d’un état où, sans entrave, nous pourrions assouvir tous nos désirs. Séjour des âmes après la mort, plage de sable fin bordée de cocotiers, hôtel all inclusive, pays aux placements off-shore, résidences sécurisées, etc.

Welcome installera une sorte de purgatoire où chaque acteur parlera de sa vie, de ses désirs, de ses regrets, de sa quête d’une vie rêvée, et essaiera de construire lui-même son petit paradis. Welcome évoquera de façon drôle, burlesque, poétique et tendre nos aspirations au bonheur et à ce petit nuage d’où, pleinement sereins, nous aimerions contempler le monde.

Mais on ne peut parler du paradis sans évoquer la mort qui pour certains, n’ouvre que sur le néant, et pour d’autres au contraire, est l’assurance d’une délivrance et d’un bonheur de l’âme éternel.

Accueilli en résidence au Grand Théâtre et incluant Marianne Bourg, une comédienne aux origines luxembourgeoises, dans la distribution, Welcome s’inscrit parfaitement dans le projet artistique des Théâtres de la Ville, cherchant à développer l’aspect collaboratif de ses coproductions. 

» La poésie et la tendresse sont au rendez-vous. Patrice Thibaud a l’art des ruptures, de l’enchaînement inattendu, de la répétition saugrenue. Et ce qui prouve la réussite du duo, ce sont les réactions instantanées du public, [...] qui va de surprise en surprise, de rire en rire.  Luxemburger Wort, Stéphane Gilbart à propos de Cocorico

Avec Patrice Thibaud, Fran Espinosa, Philippe Leygnac, Olivier Saladin, Lydie Alberto, Marianne Bourg Conception Patrice Thibaud
Co-metteurs en scène Patrice Thibaud & Jean-Michel Guérin
Musique Philippe Leygnac
Chorégraphies Fran Espinosa & Joëlle Iffrig
Scénographie Claudine Bertomeu
Costumes Isabelle Beaudouin
Lumières Alain Paradis
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Dramaturge / assistante à la mise en scène Marie Duret-Pujol Production Théâtre de Nîmes – Scène Conventionnée d’Intérêt National – danse contemporaine – art et création
Coproduction Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Biennale de Lyon 2018; Chaillot – Théâtre national de la Danse; Espace Jean Legendre Compiègne; Château Rouge – scène conventionnée d’Annemasse; L’Odyssée – Scène conventionnée de Périgueux – Institut national des Arts du Mime et du Geste & le Théâtre Georges-Leygues de Villeneuve-sur-Lot; Thaleia production Accueil en résidence Chaillot – Théâtre national de la Danse; Les Théâtres de la Ville de Luxembourg; Théâtre de Nîmes Création le 14 septembre 2018 – Biennale de Lyon
Patrice Thibaud est artiste associé au Théâtre de Nîmes – Scène conventionnée d’intérêt national – danse contemporaine – art et création. Le Théâtre de Nîmes est subventionné par la Ville de Nîmes, le Ministère de la Culture et de la Communication – Direction Régionale des Affaires Culturelles Occitanie, le Département du Gard et la Région Occitanie Pyrénées Méditerranée.
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Le paradis? Nous rêvons tous d’un état où, sans entrave, nous pourrions assouvir tous nos désirs. Séjour des âmes après la mort, plage de sable fin bordée de cocotiers, hôtel all inclusive, pays aux placements off-shore, résidences sécurisées, etc.

Welcome installera une sorte de purgatoire où chaque acteur parlera de sa vie, de ses désirs, de ses regrets, de sa quête d’une vie rêvée, et essaiera de construire lui-même son petit paradis. Welcome évoquera de façon drôle, burlesque, poétique et tendre nos aspirations au bonheur et à ce petit nuage d’où, pleinement sereins, nous aimerions contempler le monde.

Mais on ne peut parler du paradis sans évoquer la mort qui pour certains, n’ouvre que sur le néant, et pour d’autres au contraire, est l’assurance d’une délivrance et d’un bonheur de l’âme éternel.

Accueilli en résidence au Grand Théâtre et incluant Marianne Bourg, une comédienne aux origines luxembourgeoises, dans la distribution, Welcome s’inscrit parfaitement dans le projet artistique des Théâtres de la Ville, cherchant à développer l’aspect collaboratif de ses coproductions. 

» La poésie et la tendresse sont au rendez-vous. Patrice Thibaud a l’art des ruptures, de l’enchaînement inattendu, de la répétition saugrenue. Et ce qui prouve la réussite du duo, ce sont les réactions instantanées du public, [...] qui va de surprise en surprise, de rire en rire.  Luxemburger Wort, Stéphane Gilbart à propos de Cocorico

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Jeudi 22 NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
Vendredi 23 NOVEMBRE 2018 à 20h00 (tickets)
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Third Space

DANIEL LINEHAN/HIATUS & STEFAN PRINS WITH KLANGFORUM WIEN  Creation for 7 dancers, 10 musicians and a conductor, live-video & live-electronics Part of «rainy days 2018 – get real»

Date(s)


Le compositeur Stefan Prins et le chorégraphe Daniel Linehan s’associent pour créer une  performance hybride, une pièce de musique et de danse qui questionne les thèmes et paradoxes du concept de la vie privée. Quelle place reste-t-il à l’intimité dans un monde de plus en plus mis sous surveillance, alors qu’augmentent sans cesse les publications sur les réseaux sociaux? Que reste-t-il de notre contribution à la vie publique quand celle-ci inclut autant de connections virtuelles, de sorte que la proximité géographique joue un rôle de plus en plus insignifiant par rapport à notre communauté et à nos idées? Que signifie le principe d’intimité dans ce contexte? Le monde devient-il réellement plus transparent ou bien existe-t-il toujours un petit quelque chose de privé/caché/interne qui ne peut être complètement exposé aux yeux et aux oreilles du public? Third Space sonde ces questions.

Accompagnés de 7 danseurs, de 10 musiciens de l’ensemble renommé de musique contemporaine Klangforum Wien et du chef d’orchestre Bas Wiegers, Linehan et Prins créent un «troisième espace» qui ne peut être si facilement catégorisé selon les binaires conventionnels. Un espace qui n’est ni entièrement réel, ni complètement virtuel mais qui occupe un territoire entre les deux. Brouillant toute distinction entre la musique et la danse, ils considèrent les corps, les configurations spatiales et les gestes du conducteur ainsi que des musiciens comme faisant partie intégrante de la chorégraphie. Les sons produits par les mouvements des danseurs font partie de la composition musicale. Structuré en boucle qui se produit deux fois, Third Space joue avec les perspectives et la perception des spectateurs. Dans chaque itération, le spectateur est privé d’un ensemble totalement différent d’informations à travers la médiation et la diffusion de vidéo, de son et de performance live. Surgit alors la question du pouvoir des images médiatiques. Qui ou qu’est-ce qui contrôle? Qui ou qu’est-ce qui dirige la performance?

Concept Daniel Linehan & Stefan Prins
Choreography Daniel Linehan
Composition, sound Stefan Prins Dance, creation Gorka Gurrutxaga Arruti, Renan Martins, Anne Pajunen, Victor Pérez Armero, Alexander Standard, Louise Tanoto, Katie Vickers
Live music Klangforum Wien – Yaron Deutsch (e-guitar), Uli Fussenegger (doublebass), Florian Müller (keyboard), Ivo Nilsson (trombone), Anders Nyqvist (trumpet), Dimitrios Polisoidis (viola), Gerald Preinfalk (saxophone), Lukas Schiske (percussion), Krassimir Sterev (accordion), Olivier Vivarès (clarinet) Conductor Bas Wiegers
Dramaturgy Alain Franco
Scenography 88888
Video Damien Petitot
Lighting Design Ralf Nonn
Costume Design Frédérick Denis
Sound Design & Sound Engineering Florian Bogner, Peter Böhm Musical composition – commissioned to Stefan Prins
by the City of Munich for the Münchener Biennale – Festival für Neues Musiktheater 2018 financed by the Ernst von Siemens Musikstiftung Production Hiatus (Brussels) & Klangforum Wien
In collaboration with ICST – Institute for Computer Music and Sound Technology – Zürcher Hochschule der Künste
Coproduction Münchener Biennale – Festival für Neues Musiktheater 2018; deSingel International Arts Campus (Antwerp)
Residencies d eSingel, Charleroi Danse, La Raffinerie, Münchener Biennale
World Premiere 4 June 2018, Münchener Biennale – Festival für Neues Musiktheater
Daniel Linehan/Hiatus is Creative Associate at deSingel International Arts Campus 2017-2021 and supported by the Flemish authorities. Klangforum Wien is kindly supported by ERSTE BANK.
Dimanche 25  NOVEMBRE 2018 à 17h00 (tickets)
DURÉE 1h30 (pas d'entracte)Adultes 20 € / Jeunes 8 € / Kulturpass bienvenu Lieu: Grand Théâtre / Arrière-scène
25.11 at 7.30 pm in the Foyer of the Grand Théâtre – A good festival culminates in a great final party. After the success of the first Bal contemporain at rainy days 2017, this year’s edition ends again with United Instruments of Lucilin and a blast of music, dance, soup and other refreshments.  

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